L'Antre de la Bête

Salve de séries B en DVD (9)

2011-07-07T13:18:00.000-07:00

Smash Cut de Lee Demarbre. Un discours du truculent HG Lewis ouvre cette série B de manière prometteuse. Hélas, si vous me permettez ce jeu de mots facile, ce film de l'inconnu Lee Demarbre m'a laissé de marbre. Et pourtant, il s'est démené, le gugusse, combinant gore et comédie, citant Lewis et Shakespeare, réunissant un casting de gueules. Mais sans être antipathique, la chose n'en est pas moins ratée, plutôt ennuyeuse et surtout très maladroite dans sa mise en scène. Revoir David Hess dans un premier rôle nous fait plaisir cinq minutes, mais le vieux frisé a visiblement perdu l'habitude d'être devant une caméra, tant il joue comme une patate.

Autopsy de Adam Gierasch. Des jeunots qui atterrissent par un malheureux concours de circonstance dans une clinique désaffectée où officie un médecin dément. Première réalisation du scénariste maison de la firme Nu Image, qui nous sert là quelque chose qu'on a déjà vu ça des dizaines de fois. Oui, mais comme le toubib dérangé est interprété par Robert Patrick, on fera un petit effort.

Primal de Josh Reed. Rien à voir avec le film de Roel Reiné précédemment chroniqué. Il s'agit d'un film australien qui prouve une fois de plus la vitalité du cinéma de genre des Antipodes. Une étrange caverne couverte de peintures aborigènes (ça me rappelle ma virée dans le parc national Kakadu) exerce un pouvoir maléfique sur une poignée de randonneurs qui les ramène peu à peu à l'état primitif. La chose promet d'être dans le tout venant du cinoche de série B, mais la dernière partie est plutôt barbare, et la barbarie, nous on aime ça... Pour l'anecdote, le réalisateur Josh Reed est le fils de Colin Eggleston, auteur du classique Long Week-End.

The Ward de John Carpenter. On aurait aimer consacrer un bel et long article à la dernière œuvre du père Carpenter, mais il se trouve que la chose est réellement un échec complet. Dans le sillon des vieux loups de mer qui n'en finissent pas de revenir mais mieux s'enfoncer (Argento en tête, talonné de près par Tobe Hooper), Carpenter semblait jusqu'ici échapper à la malédiction, même si ses deux opus pour l'anthologie Masters of Horror ne comptent pas parmi les meilleurs du lot. Si le nom du maître ne figurait pas au générique, on croirait que The Ward est l’œuvre fadasse d'un tâcheron anonyme, tant rien (ou bien peu de choses) ne subsiste du style autrefois brillant du réalisateur de Halloween. A croire que Carpenter ne reçoit plus aucun scénario intéressant pour accepter de mettre en scène une histoire qui, à aucun moment, ne lui permet de faire parler son expérience. Cela sent le film de commande vite fait mal fait.

"Inattendue", un court-métrage attendu

2011-05-07T04:51:00.000-07:00

Info. A défaut de parler des choses obscures qui nous passionnent et qui, parfois, n'intéressent d'ailleurs que nous-mêmes, un blog sert aussi, à l'instar de Facebook et autre Myspace, à faire sa promotion personnelle. Je ne suis donc pas peu fier d'annoncer que Inattendue, mon premier (vrai) court-métrage réalisé l'année dernière, sera projeté parmi des centaines d'autres courts au Short Film Corner du prochain Festival de Cannes, ce qui constitue plutôt un bon début de carrière.
Le film dure 19 minutes, il est produit par Angélique Nivoley et Fred Sabio via l'association La Boite à Films (qui sera présente à Cannes avec une autre réalisation), il met en scène Claire Philippe et Pascal Mercier, la musique originale est signée Marc Pugliese et la chanson du film est composée par le groupe Vespucci. Ladite chanson "I am the predator" est d'ailleurs disponible en libre écoute sur le site Myspace du groupe.
La post-production s'est achevée fin mars, un DVD est actuellement en préparation. L'Antre de la Bête mettra régulièrement à jour l'actualité du film, telles que les sélections aux festivals, en espérant qu'il y en ait quelques-unes. Ci-dessous, en exclusivité, le visuel de la jaquette DVD réalisée par Thomas Gillant.

Les inédits de Mr. Boll, ou le talent incompris

2011-05-05T04:23:00.000-07:00

Critiques. Non, je ne retourne pas ma veste, je ne suis pas de ceux qui crient au génie après avoir crié au scandale. Je n'ai jamais estimé que Uwe Boll faisait honte au cinéma. A vrai dire, la mauvaise réputation faîte au cinéaste allemand était surtout (et est sans doute toujours) le fait d'amateurs fanatiques de jeux vidéo qui considéraient que Boll malmenait l'objet de leur passion en adaptant à tout-va les succès des consoles de jeux. Pour ma part, n'étant absolument pas branché Playstation, je n'ai cure de cette polémique. Je me souviens même, honte à moi, avoir apprécié House of the Dead lors de sa présentation à Gérardmer en 2003. Quoiqu'il en soit, il y a à boire et à manger dans la période "adaptation de jeux vidéo" de monsieur Boll, Bloodrayne et sa suite sont deux séries B gentiment nanardes, Far Cry n'est pas antipathique, Alone in the Dark est plutôt craignos...

Probablement lassé de s'en prendre plein la gueule, l'ami Uwe a répliqué de la meilleure des manières, en délaissant la Wii et en prouvant qu'il pouvait surprendre. Or voilà que depuis quelques temps, le filou ne fait que cela : surprendre. A chaque nouveau film, il est là où on ne l'attend pas. J'ai déjà dit tout le bien que je pensais de Tunnel Rats, qui n'a jamais trouvé le chemin des bacs à DVD chez nous, et de la véritable claque qu'est Rampage, sans conteste le film qui agira comme une catharsis pour bon nombre d'entre nous (car qui n'a pas rêvé un jour de s'emparer d'un fusil d'assaut et de balayer l'horizon des abrutis qui polluent notre quotidien). Mais Uwe Boll le boulimique, c'est aussi Stoic, un huis-clos carcéral bluffant qui retrace la mise a mort pernicieuse d'un pauvre type par ses codétenus, parmi lesquels un Edward Furlong grassouillet et méconnaissable. La mise en scène est au cordeau, le montage est efficace, alternant auditions des criminels et retour sur les événements survenus dans la cellule. Boll, c'est aussi Final Storm, qui semble être un film de commande mais n'en est pas moins intéressant. Un parfum d'apocalypse plutôt savamment élaboré jalonne cette histoire d'étranger mystérieux trouvant refuge chez des fermiers alors qu'une tempête de fin du monde sévit au dehors et que la ville voisine est vidée de ses habitants.

Qu'en est-il de Darfur avec Billy Zane et du déjà très controversé Auschwitz ? Je suis curieux de voir comment Boll, dont l'esprit belliqueux délire parfois sévèrement, parviendra, dans la limite de ses moyens, à rendre compte de ces pages sombres de l'Histoire. Une fois de plus, même si la qualité n'est pas garantie, le Teuton surprend par l'audace de ses projets.

Découverte : The Samurai, série nippone des 60's

2011-05-02T12:03:00.000-07:00

Rétro. Voyager vous donne l'occasion de découvrir des trésors insoupçonnées. Telles que The Samurai, une série télévisée japonaise en noir et blanc des années 60 qui dura 10 saisons et connut en son pays une grande popularité. En Australie, où elle ne fut pourtant diffusée sur le petit écran qu'à partir de la 8ème saison, The Samurai jouit aussi d'un succès colossal. Pas étonnant donc que l'éditeur Visual Siren, qui fait beaucoup dans l'asiatique, ait sorti l'année dernière l'intégrale de la série (en 10 boitiers de 3 DVD, correspondant à chaque saison), offrant ainsi au public des antipodes l'occasion de connaître enfin les débuts du samurai Shintaro Akikusa, interprété par Koichi Ose, lequel partit étonnamment en retraite anticipée une fois la série terminée. Les épisodes de la première saison, intitulée Spy Swordsman - que j'ai empruntée en DVD à la librairie du coin (visuel ci-dessous) - sont dans un bien piteux état, l'éditeur ne s'est visiblement pas tellement embarrassé d'une quelconque restauration visuelle ou sonore, mais les curieux retrouveront là les thématiques développées parallèlement par les séries produites pour le cinéma, telles que Zatoichi avec Shintaro Katsu, dont la première aventure date également de 1962: un héros solitaire, qui a maille à partir avec les autorités, vient en aide aux populations opprimées dans le Japon rural du temps du Shogun.

Machete Maidens Unleashed! : un visuel du DVD

2011-05-01T20:02:00.000-07:00

Info. Alors que le documentaire de Mark Hartley sur le cinéma d'exploitation philippin est annoncé en DVD aux États-Unis pour le 26 Juin, le film sortira avec plus d'un mois d'avance en Australie, en avant-première mondiale, juste après sa diffusion sur la chaîne nationale ABC. C'est donc, comme annoncé précédemment, Umbrella qui commercialisera le DVD, lequel contiendra en bonus une belle surprise : The Muthers, un inédit de Cirio H. Santiago avec Jeannie Bell et Jayne Kennedy (deux stars de la blax') en femmes-pirates. En exclu, le visuel du DVD ci-dessous.

Salve de Séries B en DVD (8)

2011-04-29T02:51:00.000-07:00

Hunt to kill de Keoni Waxman. Le réalisateur hawaïen est un dur, il a déjà œuvré par le passé pour Seagal et Lundgren. Ici il se met au service de Steve Austin qui, de tous les catcheurs-acteurs (John Cena, Bill Goldberg...), n'est sans doute pas le plus mauvais. Ce DTV forestier bien charpenté, d'une faible teneur en scénario (mais on s'en fout) et en sentiments humains (on s'en carre aussi) a la particularité de réunir, aux côtés d' Austin, les deux autres vilains de The Expendables : Eric Roberts et Gary Daniels. Probablement une coïncidence...

Sharktopus de Declan O'Brien. Débauché par l'immortel Corman pour qui il avait déjà torché un truc avec des cyclopes, Declan O'Brien avait plutôt fait du bon boulot sur Wrong Turn 3. Ici il salope le travail, mais on ne peut pas trop lui en vouloir car le véritable coupable est le type derrière son écran d'ordinateur, qui après chaque plan raté, lui disait dans l'oreillette "T'inquiète, Declan, quand on aura rajouté mon super requin-pieuvre en images de synthèse, ça passera..." Technologie, quel mal n'as-tu pas fait...

Primal de Roel Reiné. Ils naviguent tranquillement sur l'océan, mais une tempête fait échouer leur bateau sur une île inhospitalière. Là, ils rencontrent une tribu non-référencée, constituée de primates hybrides mi-Predator mi-Bob Marley, qui pourrait bien s'avérer être le légendaire "chaînon manquant". Ils rencontrent aussi Lance Henriksen, guère plus accueillant que les autochtones. Rien de nouveau du côté du survival tropical. Aussi connu sous le titre The Lost Tribe.

Et aussi...

Triangle de Christopher Smith. Entre Severance et le très bon Black Death, Christopher Smith a réalisé ce Triangle, variation intéressante quoiqu'un peu rébarbative sur le thème du triangle des Bermudes, que Melissa George porte sur ses frêles épaules. Passé par Gérardmer sans jamais trouver le chemin des salles. On s'en étonne à peine...

Heartless de Philip Ridley. Pour effacer la vilaine tache qui lui assombrit une partie du visage, un jeune homme pactise avec un personnage diabolique. Par le trop rare mais quelque peu surestimé Philip Ridley, un film atypique et envoûtant, mêlant discours sociologique, fantastique pur et romance surannée. Intéressant, mais inabouti.

The Children de Tom Shankland. En voilà un qui déçoit beaucoup. En provenance d'Angleterre, un énième film d'enfants maléfiques (si ce n'est que cette fois les marmots sont victimes d'une maladie et non pas possédés par le Diable), moins bon que Orphan mais tout de même bien meilleur que Case 39.

En l'an 2525, Uwe Boll sera un génie

2011-04-24T23:48:00.000-07:00

Nostalgie. En attendant un article sur les dernières audaces du prolifique Uwe Boll, un petit brin de nostalgie avec ce tube prémonitoire de 1969 que l'on entend pendant l'introduction de l'autre chef-d'œuvre du père Boll (avec Rampage): le scandaleusement inédit Tunnel Rats, un film de guerre intimiste, cruel et tristement sublime. Goûtez-moi ça sur Youtube.

Le cas Ulli Lommel

2011-04-23T09:11:00.000-07:00

Critiques. Il s'agit d'un cas très particulier, un cas qui mériterait une expertise psychiatrique, car nous sommes quelques-uns à nous demander si Ulli Lommel a encore toute sa tête. Pour la faire courte, Ulli Lommel a débuté sa carrière en Allemagne au début des années 70, dans l'entourage de Fassbinder pour lequel il a occupé divers postes, avant de s'enfuir aux États-Unis bosser un temps sous la férule d'Andy Warhol, après quoi il réalise le fameux Boogeyman, un slasher labellisé 80's avec le vieillard John Carradine qui, à l'époque, produit son petit effet. Des lors, Lommel n'aura de cesse d'œuvrer dans l'horreur bon marché (The Devonsville Terror avec Donald Pleasence, dont une vieille copie VHS doit moisir quelque part dans mon fourbi, annonce déjà le déclin), s'enfermant dans un registre de plus en plus underground. Depuis quelques années, le Prussien s'est spécialisé dans le "film de tueurs en série", réalisant en l'espace de quatre ans une bonne quinzaine de bandes sur le sujet. Lommel tourne à la vitesse de l'éclair, avec des budgets anémiques et des génériques remplis de pseudonymes. Cela fait plus de vingt ans que, sur les jaquettes de ses films, à son patronyme qui risque de ne pas parler à grand monde, on préfère la mention "from the director of The Boogeyman". Pas sûr que cela soit très vendeur non plus, mais qu'importe, Ulli s'obstine et, tout seul dans son coin, continue de pondre des trucs qui n'intéressent personne. A l'image d'un Uwe Boll dont il est un peu le père spirituel, il est copieusement ignoré des distributeurs français. Mais chez les Anglo-Saxons, où le marché du DTV fait encore recette, les films du réalisateur du Boogeyman se dénichent facilement. En Australie, c'est Peacock Films, dont le catalogue abonde en sous-produits crasseux sans budget, ni vedettes ni rien du tout, qui se charge de leur distribution. D'humeur masochiste, je me suis lancé dans une cure de "Lommeleries", dont je ne suis pas revenu entier.

Parmi ses derniers films, on trouve D.C. Sniper, qui s'emploie à restituer l'affaire du tireur embusqué de Washington D.C. Souvenez-vous, c'était en 2002, un sniper et son "mentor" terrorisaient les environs de la capitale américaine en abattant au hasard des badauds qui avaient pour seul tort d'être au mauvais endroit au mauvais moment. Il est sacrément couillu, le père Lommel, d'oser tourner une bande sur un fait-divers de cette envergure, avec deux dollars et trois acteurs. On sent que le type est rompu au système D. Comme il n'a ni voitures de police, ni uniformes, qu'il n'a pas le droit de filmer dans un tribunal, ni dans un commissariat, ni dans une prison, bref, comme il ne peut visiblement pas faire grand chose, il opte pour un style "reportage télé" et remplit son heure et dix minutes de longs plans en voiture et de pseudo-témoignages face caméra des "acteurs" de l'affaire, shootés à la va-comme-j'te-pousse dans ce qui ressemble à un sous-sol mal éclairé. Comme il n'a rien à filmer ou presque, il se filme aussi lui même, lunettes noires et stetson vissé sur la tête dans le rôle inutile d'un détective bisseux accompagnant un agent en civil (ça évite de louer l'uniforme) passant la moitié du film à observer on ne sait trop quoi avec ses jumelles. La voix-off fait un super boulot, décrivant tout ce que Lommel n'a pas les moyens (ou l'ambition) de montrer à l'écran. Lommel à l'expérience pour tout contourner, pour faire l'infaisable, et le plus étonnant, c'est que ça passe, ça glisse tout doucement comme une pastille pour la gorge, surtout grâce à Ken Foree qui croît dur comme fer qu'il John Allen Muhammad. S'il semble que les véritables motivations des criminels n'aient jamais été clairement établies, Lommel opte pour un motif clairement racial et raciste, les tueurs, de race noire, ne choisissant d'abattre que des Blancs afin de venger l'oppression des Noirs.

Autre truc que Lommel a tourné à la va-vite : Absolute Evil. Là on n'est quand même pas très loin de "l'absolute merde". Ce n'est pas bis, c'est carrément pire que ça, c'est... comment dire... profondément underground. On pourrait même dire que ça tutoie dangereusement les tréfonds de l'amateurisme, s'il n'y avait pas, pour redresser le niveau, l'auguste présence d'un David Carradine qui, avant de rendre son dernier souffle une corde enroulée autour de la bite dans un hôtel de Bangkok, s'est vraiment compromis dans tout et n'importe quoi. Il y est vaguement question d'une fille qui flirte avec celui qui a tué de son père quinze ans plus tôt (notons que le boyfriend devait donc avoir 13 ans au moment de commettre le forfait), lequel est traqué par un chauve envoyé par Carradine pour venger la mort du père, tandis que le chauve est à son tour torturé par deux détectives chargés par la fille de retrouver l'assassin du père... C'est pas clair, mais à vrai dire, on s'en tamponne le coquillard, c'est d'abord très ennuyeux, puis ça en devient risible, et puis presque fascinant devant l'application de Lommel à vouloir se prendre au sérieux, malgré le rendu vidéo dégueulasse, le son pas très bien mixé et les acteurs pathétiques.. Le bonhomme est d'ailleurs sacrément narcissique, il faut le voir ajuster ses petites lunettes et son chapeau et prononcer trois phrases à portée hautement philosophique sur la définition du mal absolu (la photo plus haut est d'ailleurs extraite du film). Le générique nous indique la participation de l'ancienne gloire de la blaxploitation Gloria Hendry, mais j'ai remué tout le métrage sans jamais la trouver. Si quelqu'un peut aider...

RoboGeisha, l'autre folie de Noboru Iguchi

2011-04-21T06:13:00.000-07:00

Info. Autre découverte chez Eastern Eye, la collection Asie du très sérieux éditeur australien Mad Man : RoboGeisha, réalisé par Noboru Iguchi juste après The Machine Girl. Une histoire de geisha transformée en robot truffé d'armes mortelles qui lutte contre les velléités dominatrices d'une entreprise, prétexte à un grand n'importe quoi plutôt réjouissant (dialogues stupides, sur-jeux des acteurs). Beaucoup moins d'effets sanglants que dans son précédent film, davantage d'effets numériques mais tout autant d'excentricité et d'inventivité dans le choix des armes et les transformations physiques.

Medusa Fanzine fait peau neuve sur le Net

2011-04-20T12:19:00.000-07:00

Info. Le très sympathique blog du fanzine Medusa, sur lequel son auteur nous régale de reproductions de jaquettes VHS, photos de tournage et autres images rares provenant de sa collection personnelle, s'est récemment payé une cure de jouvence. Voyez par vous même ICI. C'est d'autant plus intéressant qu'on y retrouve, quelque part à droite, un petit lien bien aimable vers L'Antre de la Bête. Merci !

Salve de séries B en DVD (7)

2011-04-19T05:10:00.000-07:00

Devil de John Erick Dowdle. Réalisé par le type qui a commis le remake américain de Rec, lequel était toutefois loin d'être le pire parmi la vague de remakes produits aux États-Unis, ce Devil a reçu un accueil glacial à Gérardmer. C'est injuste, car même s'il ne casse pas des briques, ce petit film d'1h17 situé dans un ascenseur investi par le Diable en personne, prouve que les Ricains sont encore capables de faire fonctionner leurs petites cervelles sans aller piquer les idées à droite et à gauche.

The Traveller de Michael Oblowitz. Moi j'aime bien Val Kilmer. Objet de vilains quolibets au moment de faire Batman, l'ex-vedette de Willow s'est depuis éloigné des grands studios et s'est reconverti avec succès dans le DTV, au point que, de la même manière dont on parle des Steven Seagal, des Dolph Lundgren ou des Wesley Snipes, on pourrait désormais parler "des Val Kilmer". Le visage bouffi, Val magnifie de sa non-présence ce sympathique huis-clos nocturne fantastico-policier dans le rôle d'un personnage démoniaque, un messager de la Mort venu réclamer vengeance contre une escouade de flics au passé douteux. Il y a une atmosphère indéniable, mais ces interminables séquences au ralenti sur des bouts de chair qui voltigent sont quand même énervantes.

Pontypool de Bruce McDonald. Faire un film d'agressions sans jamais montrer les agresseurs relève de la gageure. Avec Assault on Precinct 13, Carpenter avait brillamment relevé le défi dans le domaine du thriller. Dans le domaine fantastique, avec cette histoire d'agressions collectives uniquement relayées par l'animateur vedette d'une petite station de radio canadienne, Pontypool fera date, par l'intelligence du scénario, l'atmosphère apocalyptique et l'interprétation ad hoc d'un Stephen McHattie qui aura attendu ce rôle toute sa chienne de carrière.

Et aussi...

The New Daughter de Luis Berdejo. Malgré la présence de Kevin Costner en tête d'affiche, ce film est passé à la trappe par les distributeurs pour finir directement sur les étagères des vidéo-clubs. Sort un peu justifié, tant cette histoire de fillette possédée par l'esprit d'une entité maléfique vivant dans un monceau de terre n'est guère passionnante.

Brutal de Ethan Wiley. Téléfilm de luxe, que les présences de Jeffrey Combs et du trop rare (et particulièrement émouvant dans le cas présent) Michael Berryman rendent intriguant. Pour le reste, des meurtres gratuits, un tueur bien sous tous rapports, une enquête qui piétine. La routine, quoi.

Shrooms de Paddy Breathnach. Une randonnée dans la forêt irlandaise à la recherche de champignons hallucinogènes, qui vire au carnage sous acide. Le synopsis est prometteur, ces champignons offrant un angle d'approche du genre horrifique plutôt original, mais le slasher bas de gamme prend rapidement le dessus.

Salve de séries B en DVD, le retour

2011-04-17T19:31:00.000-07:00

Dead Snow de Tommy Wirkola. En provenance de Norvège, généreuse pourvoyeuse de quelques séries B d'horreur parmi les plus sympathiques du moment (Manhunt, la trilogie Cold Prey...), Dead Snow nous expose la lutte d'une bande de jeunes crétins aux prises avec des Nazis zombies aux abords d'un chalet isolé en pleine montagne enneigée. Plus gore, plus fun et plus friqué de Le Lac des Morts-Vivants de Jean Rollin (qui s'est toujours proclamé innocent d'avoir réalisé la chose).

Splinter de Toby Wilkins. Contenu en huis-clos dans une station-essence, Splinter nous révèle une créature inédite, une sorte de parasite articulé par des épines proéminentes qui s'empare du corps des humains. Deux couples lui font face, dans une intrigue minimaliste qui a le bon goût d'aller à l'essentiel (1h15) et de privilégier l'ambiance glauque. Les attaques du parasite sont spectaculaires. Grosse perf' de Shea Whigham dans le rôle d'un criminel en cavale.

Jack Brooks, Monster Slayer de Jon Knautz. Le titre nous induit en erreur, en tentant de nous présenter un nouveau héros dont la spécialité serait de tuer des monstres. En fait, Jack Brooks est un jeune plombier nerveux qui suit des cours de chimie dans la classe de Robert Englund, et qui vers la fin du métrage combat un monstre en caoutchouc. Néanmoins, grâce à d'excellents maquillages en l'ancienne, des situations burlesques et l'ami Englund qui cabotine, pas d'ennui possible.

Frozen de Adam Green. Entre deux carnages commis par son croquemitaine Victor Crowley, Adam Green s'autorise une pause et œuvre dans le fait-divers. Cela donne Frozen, sur un trio d'amis qui se retrouve coincé sur un télé-siège, à plusieurs mètres du sol, alors que la station de ski est fermée pour une semaine. Avec avec pour seuls éléments trois personnages, un télé-siège et la neige tout autour, hostile, Green accomplit un huis-clos en altitude de haute-volée.

Hit and Run de Enda McCallion. Rappelant à bien des égards l'excellent Stuck de Stuart Gordon, voilà une histoire qui commence plutôt mollement, avec une jolie nana qui découvre un malheureux quidam empalé sur le pare-choc de sa voiture, le tue par accident et se débarrasse du corps. Sauf que le type, que la télé présente comme un enseignant bien sous tous rapports, n'est pas tout à fait mort, et n'est pas tout à fait sain d'esprit non plus. La seconde partie, qui voit la victime devenir bourreau, relève le niveau, d'autant que la composition et le maquillage de Kevin Corrigan sont sacrément inquiétants.

The Burrowers de J.T. Petty. Il est assez rare de tomber sur un inédit vidéo dont l'excellente tenue fait regretter de ne pas pouvoir apprécier la chose sur grand écran. Tel est le cas de ce croisement culotté du western et du film fantastique, auquel l'allusion aux croyances indiennes et l'attitude bête et raciste du sergent confédéré octroient une dimension sociologique de bon aloi, avec une interprétation efficace et d'étranges créatures souterraines ressemblant à des criquets mutants. J'adhère.

Retrait des images

2011-04-14T01:34:00.000-07:00

Maintenance. Après avoir constaté que, pour une raison inconnue, les images et visuels liées aux articles antérieurs aux deux dernières semaines avaient disparues (ou plutôt remplacées par des carrés blancs), et en proie à la fainéantise de télécharger à nouveau ces visuels (ce que j'ai quand même fait pour quelques articles récents), j'ai préféré retirer ces images des articles concernés. Cela les rend moins attractifs mais c'est toujours mieux que de laisser ces blancs fort peu esthétiques.

Flesh & Blood : The Hammer Heritage of Horror

2011-04-12T00:37:00.000-07:00

Critique. J'ai emprunté dernièrement à la médiathèque du coin un documentaire intitulé Flesh & Blood : The Hammer Heritage of Horror (visuel ci-contre). Le DVD édité en Australie par MRA (dont les disques inondent les bacs d'occasion) reprend le visuel de l'édition anglaise, mais sans le petit livret d'une trentaine de pages qui complète idéalement le film. Certes la chose n'est plus toute récente (1997) et les oublis ou omissions volontaires faute de place sont conséquents, mais elle vaut le coup d'œil pour qui s'intéresse de prêt à l'histoire de la célèbre maison de production britannique. L'intérêt de ce documentaire réside grandement dans l'abondance des intervenants, tandis que les deux figures légendaire de la Hammer Films, Peter Cushing et Christopher Lee, content ses grandes heures et sa décadence. Michael Carreras paraît aigri par la façon dont les choses ont tourné pour lui-même et pour la firme créée par son grand-père, le réalisateur Roy Ward Baker insiste sur l'aspect familial du système de production, le compositeur James Bernard explique la débrouille avec le planning et les budgets serrés, Ray Harryhausen confie sa joie de revenir animer des dinosaures pour Quand les dinosaures dominaient le monde, le scénariste Jimmy Sangster vante, comme tous, le professionnalisme de Terence Fisher (seul absent de marque parmi les interviewés, mais il avait une bonne raison puisqu'il était décédé), Caroline Munro admet avoir été intimidée par la prestance de Christopher Lee, Raquel Welch et Martine Beswick reviennent sur leur mémorable bagarre dans One Million Years B.C, Veronica Carlson concède son désappointement devant la censure d'une scène de viol dans Frankenstein must be destroyed, Joe Dante se souvient de ses premiers frissons "hammeriens", le cinéaste Val Guest semble très nostalgique de son passage par Wardour Street... Il est plutôt réjouissant de voir tous ces noms familiers parler avec respect et gratitude d'une page incontournable du cinéma fantastique mondial.

Big Tits Zombie, comme son nom l'indique

2011-04-06T01:23:00.000-07:00

Info. Après The Machine Girl et un démentiel Tokyo Gore Police qui fout sérieusement la gerbe, voici que Big Tits Zombie est disponible à la location en Australie, toujours chez l'éditeur Mad Man au sein de sa collection Eastern Eye consacrée aux films asiatiques (visuel du DVD ci-dessus). Une sacrée déception, soit dit en passant, que cette histoire de danseuses court-vêtues affrontant des zombies sortis de l'Enfer, surtout venant d'un Takao Nakano qu'on a connu beaucoup plus pervers. Le gore est conventionnel et les plans nichons sont franchement rares. Mais cette Sola (ou Sora) Aoi a de bien jolis poumons et une voix sexy en diable.

Maneater Series : nos amis les mangeurs d'hommes

2011-04-04T00:46:00.000-07:00

Critiques. L'Antre de la bête s'intéresse à la série Maneater, compilation de longs-métrages horrifiques essentiellement produite pour la chaîne SyFy mettant en scène des bestioles mangeuses d'hommes.

J'ai une passion particulière pour les films d'attaques animales. Sans doute parce qu'ils combinent à la fois le plaisir de voir le monde animal prendre sa revanche sur la bêtise humaine, des scénarios improbables de mutations génétiques, de radiations nucléaires, d'épidémies ravageuses transformant les bébêtes en créatures carnassières, et des effets spéciaux alliant images numériques, technologie "animatronique" et créations artisanales, associés au dressage de véritables animaux, rivalisant d'ingénuité pour donner aux bestioles un aspect à la fois crédible et menaçant. Le sous-genre d'attaques animales a surtout été, et demeure aujourd'hui encore, un inépuisable vivier pour producteurs sans le sou, et on ne compte plus les séries B mettant en scènes des créatures avides de chair humaine. Hors du sentier balisé des pré-copies de futurs succès à gros budgets, The Asylum s'est notamment lancé dernièrement dans une série de produits aux titres improbables (Mega Shark Vs Giant Octopus, Mega Piranha, Mega Shark Vs. Crocosaurus...), sur lesquels nous reviendront sûrement un de ces jours. Je vous invite par ailleurs à vous rendre sur l'excellent site francophone Animalattack.info, qui répertorie et critique avec une exhaustivité impressionnante tous les films du genre.

Mais c'est la série Maneater qui attire aujourd'hui notre attention. Dès 2007, RHI Entertainment produit pour la chaîne américaine Sci Fi Channel une anthologie de longs-métrages fantastiques mettant en scène des créatures dévoreuses d'hommes. Il y sera question tout autant d'animaux existant (ours, tigre, fourmis, singes...) que d'espèces non-répertoriées dérivant de la mythologie ou de quelconque légende (gargouilles, yéti, loups-garous, monstre des marécages...). SyFy alimentera aussi ses programmes d'autres films du même acabit produits par d'autres boites (comme Cinetel). Parmi les points communs à toutes ces pellicules: un langage modéré (tout juste quelques "son of a bitch" par-ci par-là), des débordements sanglants contenus, format télévisé oblige, des têtes d'affiches qui n'ont plus depuis longtemps les honneurs du grand écran (F. Murray Abraham, Michael Madsen, Lou Diamond Phillips, Ben Cross...), des tournages délocalisés entre le Canada, la Roumanie et la Thaïlande, et des jaquettes aguichantes qui sur-vendent le produit. Tour d'horizon des titres que j'ai eu l'occasion de visionner.

Les bonnes pioches

Sand Serpents de Jeff Renfroe avec Jason Gedrick. Il est toujours bon, dans un film dit "d'attaques animales", de montrer lesdites bestioles le plus possible, car après tout c'est pour elle que nous sommes là. Cet opus n'est pas avare en plans larges sur les "serpents de sable", en réalité de gigantesques invertébrés carnivores qui viennent perturber la guerre que se livrent soldats américains et Taliban dans une région rocailleuse d'Afghanistan reconstituée aux environ de Bucarest. Script original, personnages attachants, effets numériques convaincants, le haut du panier de la série.

Croc de Stewart Raffill avec Michael Madsen. D'abord il y a la Thaïlande. Des filles à se damner. Puis il y a le croco. Et celui-ci est un vrai méchant, un monstre bouffeur d'enfants qui hante les abords d'une station balnéaire. Pas d'effets digitaux minables mais l'utilisation d'un véritable animal, filmé sous tous les angles, habilement remplacé par une doublure faite mains pour les attaques, qui sont nombreuses et toujours spectaculaires. Michael Madsen profite de son séjour tous frais payés en Asie dans un rôle de chasseur d'amphibiens qui lui va bien. Pour résumer, la Thaïlande, les filles, Madsen, un méga croco qui a de la gueule. Sous des faux airs d'énième DTV moisi, un bon petit film de crocodile vorace qui vaut bien les deux suites de Lake Placid.

Les moyens bof

Rise of the Gargoyles de Bill Corcoran avec Eric Balfour et Nick Mancuso. Tournée en studio en Roumanie, l'histoire est censée se passer à Paris, et l'illusion fonctionne mieux que dans le nullissime Catacombs (voir critique), car les seconds rôles n'ont pas d'accent de l'Est et les vues aériennes de la capitale sont là pour rappeler le contexte. Eric Balfour, auquel on promettait une carrière fulgurante et qui enchaîne avec une constance dangereuse les low-budget destinés au marché vidéo (dont Dinoshark, une récente production Corman avec une autre bestiole dont on devine l'aspect), est un professeur d'antiquité en poste à Paris qui affronte des gargouilles en images de synthèse, cachées dans les décombres d'une église. Il y a un inspecteur de police franchouillard très cliché, des boyaux éparpillés un peu partout, une décapitation rigolote, une journaliste qui bosse pour Ici France (sic). Réalisé avec professionnalisme et jamais ennuyeux.

Sea Beast de Paul Ziller avec Corin Nemec. Après un début très laborieux, cette production Cinetel tournée au Canada offre son lot de cadavres déchiquetés et d'attaques violentes. On ne saura jamais d'où vient la créature amphibie qui s'en prend à un petit port de pêche, celle-ci a le pouvoir de se rendre transparente, de propulser un venin paralysant et de pondre des centaines d'œufs à une vitesse fulgurante. Elle peut aussi grimper aux arbres et utiliser sa langue élastique pour capturer ses proies. Je baptise cette nouvelle espèce "la baudroie-caméléon géante ovipare-vinicole-venimeuse de Colombie-Britannique".

Les vilains petits canards

Blood Monkey de Robert Young avec F. Murray Abraham. Celui-ci est tourné en Thaïlande, et il ne s'y passe absolument rien. Les apparitions du prétendu singe sanguinaire qui pourchasse des étudiants naïfs à travers la jungle sont réduites à des jeux d'ombres et des gros plans numériques très laids de canines baveuses. Une pure perte de temps.

Hellhounds de Rick Schroder avec Ben Cross. Étonnant de voir Rick Schroder, ancien enfant-star et Petit Lord Fauntleroy tombé en disgrâce, aux commandes de ce croisement improbable entre Zoltan, le chien de Dracula et un épisode de Xena. Si le décor est plutôt séduisant (la Grèce antique) et l'intrigue originale (un guerrier descends aux Enfers pour y ramener son épouse assassinée), la promenade des héros dans les abîmes de l'Enfer selon Hadès s'avère fort peu passionnante, d'autant que les molosses que nous promet le titre sont moches à pleurer. Tourné en Roumanie.

Grizzly Rage de David DeCoteau avec des gens pas connus. Quand il n'est pas occupé à réaliser des cochoncetés érotico-homo-fantastiques, David DeCoteau est débauché pour filmer un grizzly dans un parc naturel et, par la magie du montage, faire comme s'il poursuivait de sa vindicte quatre abrutis qui ont osé tuer son ourson. La seule satisfaction que procure ce téléfilm sans panache, c'est que pour une fois, c'est l'animal qui triomphe.

Décès de Michael Gough

2011-04-02T00:28:00.000-07:00

Info. Rien, nothing, nada, nimic tant sur les sites spécialisés que dans la rubrique "Carnet" du Monde.fr, sur la mort de Michael Gough, le mois dernier, à l'âge de 94 ans. Et ceux qui en ont parlé se contentent seulement d'évoquer Alfred, le majordome de Batman et de courtes apparitions dans d'autres films de Tim Burton. Mais Michael Gough, au cours d'une carrière d'une longévité exceptionnelle, a illuminé de sa "upper-class british" prestance des films qui ont marqué l'Histoire du cinéma britannique. Rappelons qu'après avoir côtoyé Alec Guinness dans L'homme au complet blanc d'Alexander Mackendrick, il a participé au tout premier Dracula de Terence Fisher produit par Hammer Films en 1958 et a tenu le rôle principal d'un véritable classique de l'épouvante anglaise : Crimes au musée des horreurs d'Arthur Crabtree. Je me souviens également de lui dans un épisode du film à sketches Le train des épouvantes (une production Amicus) où il est un artiste-peintre victime d'un critique d'art fruste joué par Christopher Lee. Il est aussi le seul acteur de renom qui jalonne la filmographie bis de l'artisan Norman J. Warren (dans Satan's Slave). Bref, on constate que Michael Gough, dont la silhouette longiligne et le visage émacié étaient reconnaissables entre mille, était bien plus que le fidèle serviteur de l'homme-chauve-souris, même s'il faut admettre que ce rôle a contribué à le faire connaître au-delà du Royaume.

Aspects du nouveau cinéma d'horreur australien

2011-03-31T22:03:00.000-07:00

Critiques. Focus sur quelques productions récentes qui viennent nous rappeler que l'Australie fait régulièrement du bon boulot dans le genre qui nous passionne.

Alors que l'attendu The Reef, tourné par l'un des réalisateurs du mésestimé Black Water, est sorti dans le courant du mois de mars en salles en Australie (alors qu'il est déjà disponible en DVD au Royaume-Uni !), j'ai emprunté au vidéo-club du coin une poignée de films de genre locaux, dont certains peineront sans doute à parvenir jusqu'à chez nous. Je n'ai pas gaspillé mon argent, pour sûr. Première claque dans la gueule : The Horseman de Steven Kastrissios, un film de vengeance bien trash qui se hisserait presque au niveau d'un Harry Brown, par son discours nihiliste et son attrait pour le glauque. Réalisé dans des teintes de couleurs pales et granuleuses, le scénario suit simplement la quête de justice d'un père dont la fille, tombée dans l'escarcelle d'un réseau de vidéos snuff, est retrouvée morte victime d'overdose. Rien de plus ni de moins qu'une succession froide et violente d'actes de vengeance et de torture à travers l'état du Queensland, que l'arrivée d'une jeune fille en fuite paraît un instant ramener vers la voie de la raison et du renoncement, avant un final d'une brutalité mémorable. Inédit chez nous.

Deuxième claque dans la gueule: The Loved Ones, que les spectateurs du festival de Gérardmer ont pu apprécier cette année. Ce premier long-métrage de Sean Byrne met en scène un duo de psychopathes inédits : une jeune fille délaissée par les garçons et son père. Ces charmants personnages kidnappent l'imprudent qui a refusé d'être le cavalier de la belle au bal de promo et lui font subir d'éprouvants outrages. Outre l'abondance toujours réjouissante d'hémoglobine et l'atmosphère de folie et d'hystérie qui habite le huis-clos, le film surprend par sa construction. Le supplice du malheureux est entrecoupé de séquences plus légères, et fort peu utiles à l'intrigue, de la virée nocturne de son meilleur pote avec une gothique asociale (pléonasme). Ce qui pourrait alourdir le récit vient au contraire renforcer le malaise provoqué par le calvaire du jeune homme. Notons une délicieuse composition de John Brumpton (inoubliable dans le dérangeant Dance Me to My Song de Rolf De Heer), au faciès si particulier, dans le rôle du père hypnotisé par la furie de sa fille, et une jolie BO incluant le formidable Not Pretty Enough par la chanteuse country australienne Kasey Chambers.

L'acteur qui monte Xavier Samuel est le dénominateur commun entre The Loved Ones et Road Train, autre production australienne à avoir fait récemment son apparition dans les vidéo-clubs du pays. Comme dans bon nombre de films avant celui-ci, ce sont les vastes étendues du bush, qui servent d'inquiétant décor naturel à une intrigue qui, dans ses premières minutes, rappelle vaguement le Road Games de Richard Franklin, avec son gigantesque camion-remorqueur (le "road train") arpentant les longues routes désertes de l'outback, puis prenant en chasse un quatuor de jeunes citadins en partance pour faire du camping. Le comparaison avec le classique de Franklin s'arrête là, d'abord parce que l'aspect fantastique prend rapidement le dessus (les personnages perdent peu à peu le contrôle d'eux-mêmes, comme possédés par l'esprit du véhicule), ensuite parce que le suspense se désagrège progressivement, la faute à un manque de rythme et à plusieurs invraisemblances dans le récit. On déplore en outre que le caractère maléfique du camion, personnage central, ne soit pas mieux exploité.

Storm Warning marquait le retour de Jamie Blanks, qui n'a pas eu la carrière escompt é e avec le succès d'estime de Urban Legend, l'un des meilleurs slashers de la vague post-Scream. Loin de Hollywood, l e natif de Melbourne est revenu sur ses terres pour un projet purement australien, d'après un script d'Everett DeRoche, le scénariste emblématique des films d'Ozploitation. Un couple parti pêcher est pris dans une tempête et échoue sur une île habitée par un agriculteur dément (John Brumpton, déjà) et ses deux rejetons attardés. Quiconque aura, comme mois, passé plusieurs mois au fin fonds du bush, entouré d'Aborigènes imbibés, de fermiers rustres et de vagabonds belliqueux comprendra que le portrait de ces autochtones agressifs n'est pas que pure fantaisie. Habité par des dialogues bruts jouant savamment de la "redneckitude" des personnages, porté par le talent de notre Nadia Farès nationale et doté d'une dernière demi-heure gigantesque, ce Storm Warning est une réussite, que Blanks s'est empressé de ne pas concrétiser en réalisant par la suite un remake inutile d'un fleuron de l'Ozploitation, Long Weekend.

Un DVD australien pour Machete Maidens Unleashed!

2011-03-21T20:43:00.000-07:00

Info. Un scoop : le documentaire de Mark Hartley sur les grandes heures du cinéma d'exploitation philippin, Machete Maidens Unleashed!, qui a déjà fait le tour des festivals (dont Gérardmer), pourrait connaître une première commercialisation en DVD en Australie d'ici le mois prochain. C'est vraisemblablement l'éditeur Umbrella Entertainment qui aura la primeur de cette avant-première mondiale. Umbrella étant à l'Australie ce que TF1 Vidéo est à la France, le DVD ne sera pas bien difficile à trouver. L'information m'a été révélée au téléphone par Andrew Leavold, LE monsieur cinéma-bis-philippin des Antipodes, qui a participé audit documentaire et prépare un livre sur le sujet qui s'annonce incontournable. Le blog d'Andrew est accessible ici.

Les débuts d'Udo Kier en bonus DVD

2011-02-07T00:26:00.000-08:00

Info. Quiconque apprécie chaque délicieuse apparition du vénéneux Udo Kier, où que ce soit (chez Lars von Trier ou Uwe Boll), sera ravi d'apprendre qu'il aura bientôt la non moins délicieuse opportunité de voir notre Teuton fou dans sa première expérience d'acteur. C'était en 1966 dans un court-métrage de Michael Sarne, Road to St. Tropez. Dans ses entretiens avec la presse, Udo ne manque jamais une occasion d'évoquer ce film rarissime, qu'il sera désormais possible de découvrir sous forme de supplément au DVD de Joanna, long-métrage du même Michael Sarne avec Donald Sutherland, que l'éditeur anglais BFI commercialisera à partir du 25 avril 2011 sous son label "Flipside" (consacré aux films d'exploitation britanniques). La présence de court mérite à lui seul l'achat de la chose.

Rutger with a Shotgun

2011-01-18T04:43:00.000-08:00

Info. Merveilleuse année qui s'annonce, car elle marquera peut-être un retour en grâce, celui de ma tronche de cuir favorite, de ma carcasse batave préférée, celui pour lequel j'ai écumé pendant (trop) longtemps les fonds de bacs des revendeurs d'occasion, le seul, l'unique, le grand Rutger Hauer. Le site 1kult a mis dernièrement en ligne une notule faisant mention d'une bande-annonce et d'affiches officieuses très aguichantes de Hobo with a Shotgun. Il s'agit en fait de la deuxième des cinq "fausses" bandes-annonces ayant accompagné à l'époque les sorties de Death Proof et Planet Terror à faire l'objet d'un long-métrage, après Machete. La bonne nouvelle, c'est que le film a l'air d'un pur "vigilante movie" (film d'auto-justice) à l'ancienne, bien réac et bien extrême. L'énorme nouvelle, c'est que Rutger lui-même y tient le rôle principal du "clodo au fusil". Peut-être l'année de la résurrection pour le vieux blond, car on le verra aux côtés de Franco Nero dans un thriller religieux, The Rite. Qu'on se le dise, Rutger is back !

Nonnes Trop Bonnes Qui Dégomment

2011-01-17T01:20:00.000-08:00

Critique. C'est mon compère Frédo la Belette qui m'en a le premier mis l'eau à la bouche. Un film qui fait parler de lui sur les forums internet (non, je n'ai pas dit "qui fait le beuze" tant cette expression m'horripile presque autant qu'un discours de Ségolène Royal) depuis quelques semaines, sans qu'aucun de nos sites spécialisés ne s'y soit intéressé. Nude Nuns with Big Guns a pourtant tout pour plaire. Ce film d'exploitation dans le pur style "grindhouse" (image vieillie pour la circonstance) est du à un certain Joseph Guzman, déjà auteur d'un Run Bitch Run ! remarqué ici et là dans quelques festivals. Rejeton Z de l'Ange de la vengeance de Ferrara, Nude Nuns with Big Guns (littéralement "Nonnes nues avec gros calibres") manie sans subtilité mais avec frénésie et audace deux sous-genres chéris en ces lieux : le "nunsploitation" (film de nonnes) et le "rape & revenge" (viol et vengeance). Sans aller chercher bien loin, on comprend donc qu'il est question d'une bonne sœur en colère qui va nettoyer la ville d'une bande de méchants lubriques à grands coups de pétoire. Si le gore n'est guère impressionnant, signalons le nombre réjouissant de nichons et poils pubiens qui traversent la pellicule. Au milieu d'un casting féminin bien équilibré entre beautés naturelles peu charnues et poupées siliconées venues du porno, Asun Ortega porte l'habit de nonne (sans rien dessous) avec prestance. Aucun DVD n'est disponible pour l'instant, mais une aguiche est visible sur Youtube.

En attendant le Dictionnaire...

2011-01-13T01:25:00.000-08:00

Info. J'ai été parmi les premiers à souscrire au Dictionnaire des Films Français Érotiques et Pornographiques en 16 et 35 mm, à paraître au mois d'avril 2011 chez Serious Publishing et qui s'annonce monstrueux. En allant faire un tour sur le blog de son rédacteur en chef Christophe Bier, on constate avec étonnement que les 300 premières souscriptions, ouvertes depuis le mois d'octobre 2010 et donnant lieu à un tarif préférentiel et un "cadeau" (le DVD d'un porno rarissime, Maléfices Pornos d'Eric de Winter) ne semblent pas encore atteintes. On s'en étonne en effet, car on pensait que les amateurs de polissonneries gauloises en quête d'un ouvrage de référence sur le sujet allaient se bousculer au portillon. Gageons que d'ici avril, il n'y aura plus à s'en préoccuper...

Un troisieme coffret Ozploitation chez Umbrella

2011-01-12T06:20:00.000-08:00

Info. C'est aujourd'hui, mercredi 12 janvier 2011, que l'éditeur australien Umbrella Entertainment, dont nous avions déjà parlé par le passé, sort un troisième coffret consacré à l'Ozploitation, à savoir le film de genre réalisé en Australie au cours des années 70/80. A l'exception de Patrick, qu'Umbrella avait déjà commercialisé individuellement, les autres films proposés sont, à ma connaissance, inédits en France en DVD. Ce coffret comprend donc une nouvelle aventure de Barry McKenzie (Barry McKenzie Holds his Own de Bruce Beresford, avec Donald Pleasence), un western avec un hors-la-loi irlandais pendant la ruée vers l'or dans l'Outback (Mad Dog Morgan avec Dennis Hopper), une comédie d'espionnage (Les Patterson Saves the World de George Miller), ainsi que deux documentaires coquins et une fiction friponne signés John D. Lamont, une figure méconnue et pourtant indispensable de la libération sexuelle en Australie (Australia After Dark, The ABC of Love and Sex et Felicity). Tous ces films sont proposés en version anglaise sans sous-titres. A noter que John D. Lamont a aussi tâté de l'horreur (Nightmares, aussi disponible chez Umbrella). Peut-être me fendrai-je un de ces quatre d'un article sur cet artisan proprement fascinant, que l'on peut voir s'exprimer avec force décontraction dans le documentaire Not Quite Hollywood.

Trouvailles bis du bout du monde

2011-01-07T00:45:00.000-08:00

Quelques heureuses trouvailles chez un revendeur d'occasion de Darwin : deux westerns italiens pas évidents à se procurer et un fleuron du giallo. Du sang dans la montagne de Carlo Lizzani, western plutôt terne qui n'a pas encore rompu avec la tradition américaine, est sorti chez MGM dans une édition qui tend à faire passer le film pour américain (Lizzani est crédité sous son pseudo Lee W. Beaver sur la jaquette) et vaut essentiellement pour la prestation hallucinée d'un brillant Henry Silva qui venait d'amorcer sa prolifique carrière transalpine. Plus intéressant s'avère Tuez les tous et revenez seul, western de Castellari pourtant considéré comme mineur dans la carrière du grand Enzo. Cette rareté est sortie chez l'éditeur américain Wild East (visuel ci-dessous), spécialisé dans le western transalpin. On trouve un descriptif de cet éditeur sur le blog du fanzine Diabolik Zine. Ce DVD propose un doublage anglais et comme bonus une interview de Giovanni Cianfriglia, alias Ken Wood, qui revient via moult anecdotes sur sa carrière de cascadeur et comédien.

Enfin, je ne suis pas mécontent d'être tombé sur le disque Blue Underground de l'unique et agréable giallo de Giuliano Carnimeo, The Case of the Bloody Iris (Les rendez-vous de Satan), à l'heure où les VHS françaises de tous ces films s'échangent à des prix prohibitifs auprès des collectionneurs.

Et puisque nous évoquons Lizzani, cela fait une plombe que je meurs d'envie de voir son second western, Requiescant, qui jouit d'une solide réputation de curiosité due à la présence d'un certain Pasolini dans un rôle de prédicateur. C'est à nouveau Wild East qui s'est risqué à commercialiser la chose (sous le titre Kill and Pray), mais le DVD est désormais épuisé. Il existe aussi une édition italienne, mais sans autre langue disponible que celle de Dante.

Amazon enfin en Italie

2011-01-06T00:35:00.000-08:00

Pour tous les mordus d'achats de DVD rares sur le Net, il y aura désormais une alternative à Amazon.co.uk. Le géant du commerce en ligne dispose depuis décembre d'une plateforme italienne, Amazon.it. Pour information, Amazon.it possède en stock une bonne partie du catalogue du génial éditeur RaroVideo (voir notre article ici), pour des prix à l'unité très concurrentiels (entre 6,99 et 14,99€)

The Night Evelyn Came Out of the Video-Club

2011-01-05T08:08:00.000-08:00

Info. Repérées dans un vidéo-club de Darwin, Territoire du Nord, Australie (la vraie, la sauvage), quelques éditions DVD anglophones d'un giallo à la réputation douteuse d'Emilio Miraglia, The Night Evelyn Came Out of the Grave. Le film était sorti en France sous le titre L'appel de la Chair, avant d'être distribué en VHS chez VIP (sous le titre Holocauste pour une vierge) puis chez VideoBox (sous le titre La Crypte du Fou). Je vais m'empresser d'en acquérir un exemplaire...

Hal Yamanouchi était (presque) dans l'avion

2010-12-12T18:27:00.000-08:00

Il est de ces petites surprises qui remplissent une journée. Dans l'avion qui m'emmenait à Singapour, où j'ai d'ailleurs contracté une saloperie qui me cloue depuis plusieurs heures dans un motel miteux de Darwin, Australie, j'ai vu un film des plus improbables et étonnants. Une curiosité intitulée Gorbaciof (trailer ici), retranscription italophone du nom de l'ancien président soviétique Gorbatchev. Ce titre intriguant trouve son origine chez le personnage principal, surnommé ainsi en raison d'une tache sur le front semblable à celle du père de la perestroïka. Le gigantesque Toni Servillo interprète cet employé de prison taciturne qui tue le temps en jouant dans un minable tripot chinois de Naples et tombe amoureux de la jolie fille du tenancier. Mais l'essentiel est ailleurs : Hal Yamanouchi y apparaît dans le rôle du patron. Hal Yamanouchi : un nom qui n'évoquera rien à ceux qui n'ont pas passé des heures la rétine collée aux zèderies de Joe d'Amato. Car avec George Wang, notre ami Hal – qui, comme son nom l'indique, est d'origine japonaise - aura été pendant une bonne décennie « l'autre » asiatique du bis rital. On l'a vu dans trois fleurons du post-apocalyptique italien, Le gladiateur du futur de D'Amato, 2019 Après la chute de New-York de Martino et 2072 Les mercenaires du futur de Fulci. Dans Gorbaciof, même s'il ne pipe mot, il est beau, racé, sublime. Hal, you made my day...

Toni Servillo et Hal Yamanouchi dans Gorbaciof

Horreur au Golden Horse Film Festival de Taipei

2010-11-01T09:43:00.000-07:00

Après le Taipei Film Festival, dont j'ai rédigé un petit compte-rendu (en anglais) sur ce blog, voici venir le Golden Horse Film Festival, le plus prestigieux festival de cinéma de Taïwan qui se tiendra du 03 au 20 novembre dans la capitale, Taipei. Au milieu d'hommages à Satoshi Kon, Weerasethakul et Eric Rohmer, de projections très variées naviguant entre classiques restaurés et nouveautés (rendez-vous sur le site pour mieux explorer la programmation éclectique), nous aurons droit à quelques friandises horrifiques/fantastiques qui ont déjà fait leur preuve dans d'autres festivals. Ce sera l'occasion de voir Rubber de Quentin Dupieux et le "Catégorie 3" de Hongkong Dream Home, remarqués à Cannes, et le Québécois 7 Days, déjà disponible de par chez nous en DVD sous le titre Les 7 jours du talion. Voilà qui devrait m'occuper pendant quelques jours...

HorrorFever à Taipei

2010-09-01T02:10:00.000-07:00

Le distributeur et éditeur Catchplay, dont nous avions déjà parlé ici même, organise à Taipei, depuis le 20 août jusqu'au 6 septembre, un festival du film d'horreur intitulé HorrorFever. La programmation n'est pas énorme et ne propose aucune véritable exclusivité mais a le mérite d'offrir au public local l'occasion de voir quelques bandes effrayantes venus de contrées autres. Notre Martyrs national est le clou du spectacle. Sont également au menu :

- Survival of the Dead, le dernier film de morts-vivants du père Romero
- Grace de Paul Solet (projeté en France pendant l'été sous la bannière CinéMadness)
- The New Daughter de l'Espagnol Luis Berdejo avec Kevin Costner, dont on entend parler depuis un bon moment
- The Killing Room de Jonathan Liebesman (Darkness Falls) avec Chloë Sevigny et Peter Stormare
- Exam de l'Anglais Stuart Hazeldine, avec des gens pas connus
- Peacock avec Ellen Page, Susan Sarandon et Bill Pullman (un film d'horreur, ça ?)
- Frozen du fou furieux Adam Green (Hatchet, et bientôt Hatchet 2), également producteur de Grace
- Best Seller et Possessed, deux films coréens.

Christoph Schlingensief est mort

2010-08-28T23:32:00.001-07:00

J'ai appris dans la presse étrangère le décès du cinéaste allemand Christoph Schlingensief. Connu du plus grand nombre comme metteur en scène de théâtre iconoclaste et provocateur, Schlingensief, véritable touche-à-tout "fassbinderien", était surtout apprécié de l'auteur de ces lignes en tant que réalisateur de moyens-métrages inclassables, à la fois trash, bis et intellos. On lui doit notamment une version teutonne de Massacre à la tronçonneuse, Das deutsche Kettensägen Massaker (1990) avec Udo Kier, lequel a été pratiquement de tous les excès filmiques de Schlingensief, à commencer par son interprétation méconnue de Hitler dans leur première collaboration, Hitler, la dernière heure (1989). Ce n'est pas un hasard si l'Etrange Festival de Paris leur avait conjointement rendu hommage en 2005.

Taipei Film Festival : Review (in English)

2010-08-19T07:07:00.001-07:00

Juan Carlos Valdivia's Southern District

The initial social criticism in Southern District, a film about the slow and vicious implosion of a wealthy family in the southern suburbs of La Paz, fades behind the virtuosity with which the cinematographer operates that "flying scenic traveling", turning every (long) sequence into a brilliant cinematic moment of weightlessness. How many movies does Bolivia produce each year? Not a lot, for sure. As far as I know, this South-American republic doesn't even have a proper film industry. It is probably because he previously received some recognition at the Sundance Film Festival and financed the project through his own production company that Juan Carlos Valdivia was able to achieve this remarkable oeuvre.

"When we returned to the little neighborhood where we grew up, we realized there was nobody in the streets, no more children playing around." In these terms, Yoav and Doron Paz explain the genesis of their ambitious first feature film. Phobidilia is about a young man who realizes that the Internet and delivery services can fit any of his substantial requirements and decides not to leave his apartment anymore. Perhaps no contemporary subject is more germane than this one: the agoraphobic Internet generation is a sad reality. But the Israeli brothers waste their good intentions with far fetched sub-plots and inappropriate humor. There's still a worthwhile movie waiting to be made about this hot subject.

Among the large number of Taiwanese films screened during the festival, I unfortunately missed Tsai Ming-Liang's Face. Rather than attend a film unanimously respected by everyone who ever spoke about it, I found time to waste by going to see Au Revoir, Taipei. I was fooled by the French title of this very bad movie. It was fairly representative of a certain kind of "popular film" that is loved by the local youth and that is exclusively focused on entertainment. (One should try to watch the abominable Cape N.7, one of the biggest domestic successes, to understand what I mean.) Although it is intriguing to see Wim Wenders' name credited as executive producer, knowing that the city of Taipei has financially supported the project is, on the other hand, hardly surprising given the fact that the whole thing is clearly made to flatter the local pride and drive the viewers around familiar locations via a succession of uninteresting sub-intrigues acted out by a bunch of stereotypes. No doubt that Pinoy Sunday is much more worth watching. The filmmaker shows great ease in constructing nice frames and a certain talent for directing actors who are mostly Filipino nonprofessionals. The screenplay is based on an amusing idea: two immigrant workers find an abandoned sofa and decide to carry it up to their dormitory. But their dormitory is across town and they must carry their lucky find and bulky burden all the way through Taipei.

Thanks to Elaine He for her help

Chaleurs scandinaves

2010-08-07T20:16:00.000-07:00

J'ai lu, dans le FilmComment du mois dernier, un article sur un nouveau livre des plus intéressants : Scandinavian Blue, The Erotic Cinema of Sweden and Denmark in the 1960s and 1970s, publié en anglais chez McFarland. Écrit par Jack Stevenson, un journaliste américain expatrié au Danemark depuis une quinzaine d'années, cet ouvrage d'environ 300 pages se propose, comme son titre l'indique, de détailler la confection du cinéma érotique scandinave moderne, des débuts prudes des films naturalistes suédois à l'apparition du porno danois favorisé par l'abolition de la censure. Une bonne mise en bouche, en attendant le fort alléchant Dictionnaire des Films français Érotiques et Pornographiques, prévu pour la fin de l'année chez Serious Publishing, la nouvelle société d'édition de Christophe Bier.

Wesley Snipes sur les traces de ses semblables

2010-07-14T10:39:00.000-07:00

Malgré un CV bien plus étoffé et diversifié que celui d'autres ex-gloires du film d'action tombées en disgrâce, la carrière de Wesley Snipes suit depuis une petite décennie maintenant le même chemin que celle de ses confrères Seagal, Van Damme et Lundgren, sous la forme d'une descente progressive et irrégulière vers des productions au budget anémique délocalisées en Europe de l'Est. Mais à la différence d'un Seagal qui transforme en bouse tout ce dans quoi il apparaît, d'un Van Damme qui réduit de plus en plus son rythme de tournage et d'un Lundgren qui préfère se mettre lui-même en scène, Snipes alimente régulièrement les étagères de vidéo-clubs de films au cachet satisfaisant dirigés par des messieurs expérimentés. Petit passage en revue.

Au moment de ses ennuis avec le Fisc américain, qui l'ont un temps dissuadé de retourner aux States sous peine d'y être arrêté et jeté en prison, Wesley Snipes vivait réfugié en Roumanie où il enchainait les productions Andrew Stevens à un rythme soutenu. 7 Seconds, réalisé par le même gars qui avait enrôlé Van Damme pour un Second in Command également tourné dans les studios de Castel Film, met en scène Snipes dans le rôle d'un voleur professionnel embarqué dans un braquage de fourgons blindés qui tourne mal en raison de la présence d'un authentique Van Gogh parmi les objets de valeurs. Visiblement en bonne entente avec les autorités de Bucarest, la production s'autorise des trucs fous, comme des poursuites automobiles et des effets pyrotechniques dans les vieilles rues du quartier historique de Lipscani. L'inévitable scène de night-club est, comme d'habitude, tournée dans le sous-sol du Twice, un club branché très réputé de Bucarest où sont organisés, chaque vendredi, des concours de striptease (je le sais, j'y ai assisté un bon nombre de fois...). Pour la petite histoire, le roi du porno roumain Titus Steel y a ses quartiers et on retrouve même sur YouPorn une vidéo dudit Steel filmée sur les banquettes reconnaissables en mille du Twice. Notons, et je ferme là la parenthèse, que Castel Film, en tant que prestataire de services, n'hésite pas à refourguer tels quels les mêmes décors d'une production à l'autre. Ainsi, la maison dans laquelle Olivia Bonamy résiste à de mystérieux assaillants dans Ils... est exactement la même, à la vis près, que celle où Steven Seagal trouve refuge dans le nullissime Shadow Man. Allez vérifier si vous avez des doutes... Toujours emballé pour le compte du crochu Andrew Stevens qui, à l’instar de Corman et de Charles Band, a décidé de faire des économies en partant filmer en Roumanie, The Marksman transforme les vastes étendues valaques qui entourent Bucarest en plaines tchétchènes dévastées par la guerre... Bref, tout cela pour dire que tourner chez les Daces offre certains avantages tant les exécutants locaux, trop flattés de voir les stars ricaines gambader dans leurs rues sales, multiplient les courbettes vis-à-vis de leurs clients, quitte à investir chaque lieu et recoin de Bucarest. Qui connait la capitale roumaine s'amusera donc de voir l'ancien bâtiment de la Securitate, dont les ruines sont aujourd'hui surmontées d'un édifice moderne aux vitres vertes (une belle audace architecturale), transformé en siège de la CIA dans The Detonator, production qui fait suite à 7 seconds. L'histoire est sensiblement la même, puisqu'il y est question de trahison sur fonds de quête d'un objet censé rendre riche son acquéreur. A vrai dire l'intrigue importe peu car ce qui compte ici c'est l'action, et il y a là de quoi largement sustenter le spectateur écervelé, passant outre invraisemblances (un motel en Roumanie...) et jeu d'acteurs tout pourri (les mêmes tronches reviennent d'ailleurs d'un film sur l'autre, car Castel Film aime bien aussi épuiser son catalogue de figurants patibulaires). A noter la participation de Michael Brandon, qui n'a jamais rien fait de notable depuis Quatre mouches de velours gris d'Argento. Mais la présence d'un has-been au générique est toujours bon pour grappiller l'attention de quelques amateurs de direct-to-video.

Une constante chez nos vedettes du marché de la vidéo: enchaîner deux ou trois produits sous la direction du même réalisateur. Wesley Snipes débusque ainsi l'Autrichien Josef Rusnak, en hibernation depuis son sympathique Passé Virtuel en 1999, avec lequel il tourne d'abord The Contractor, s'évitant d'inutiles frais de déplacement puisqu'il passe des plateaux de Castel Film à Bucarest aux ceux de Bojana à Sofia, récemment devenus succursale de Nu Image depuis que David Varod, l'un des pontes de la firme, a racheté l'ensemble des anciens studios d'État (et que Wesley connaît déjà pour y avoir tourner Unstoppable de David Carson quelques années auparavant). The Contractor constitue le haut du panier de la carrière bis de Snipes, qui ici incarne pour la énième fois un ancien combattant reconverti en exécuteur de la CIA chargé d'abattre un terroriste arabe «pour garantir la sécurité des États-Unis». Il est d'ailleurs amusant de constater que toutes ces séries B axées sur le patriotisme paranoïaque de l'Amérique sont pour la plupart tournées en terre étrangère, comme quoi, lorsque les raisons économiques prévalent, il n'est plus guère question d'être patriote. L'action est censée se passer à Londres, ce qu'on ne mettra jamais en doute jusqu'à l'intervention du générique final encombré de noms à consonance bulgare. Habité par son personnage, Wesley donne le meilleur de lui-même et la gamine qui l'accompagne réussit l'exploit de ne pas être insupportable. Après un passage chez Mario Van Peebles pour les besoins d'un Hard Luck qui m'a tendu maintes fois les bras mais que j'ai finalement renoncé à voir pour causes de critiques dissuasives, Wesley fait de nouveau équipe avec Rusnak sur une suite improbable à l'efficace The Art of War intitulée The Art of War II : Betrayal. Rusnak accouche là d'un film esthétiquement laid, surchargé de corps-à-corps et de gunfights très mous, dont le rendu à l'image est empiré par les prouesses d'un monteur qui a du se régaler à faire joujou avec les boutons "accéléré" et "ralenti" de sa table de montage. L'actrice principale, en plus d'être moche comme un poux, joue comme une cochonne. Weslay, lui, garde toute sa prestance, déambulant nonchalamment au milieu d'un scénario pas plus mauvais qu'un autre, impliquant politiciens corrompus, hommes d'affaires pas nets et tout plein de gens tapotant sur leurs super-ordinateurs. A l'heure où j'écris ces lignes, un Art of War III : Retribution a déjà fait son apparition au Blockbuster Video du coin. Mais sans Wesley qui, débarrassé de ces ennuis fiscaux et fatigué de faire le zouave pour des tâcherons, a fini par retourner aux projets sérieux et friqués (Brooklyn's Finest). Pour combien de temps ?

Taipei Film Festival : le programme

2010-06-07T03:02:00.000-07:00

Du 25 juin au 15 juillet, la capitale de Formose accueille la douzième édition du rendez-vous des cinéphiles taïwanais, le Taipei Film Festival. Cette année, le Brésil est à l'honneur avec une sélection de classiques venus de l'ancienne colonie portugaise (Glauber Rocha, Carlos Diegues), d'oeuvres contemporaines (dont l'excellent Elite Squad de José Padilha qui sera projeté en ouverture) et des gros plans sur les carrières de Suzana Amaral et Hector Babenco.

En plus d'une compétition internationale (voir détails ci-après), le festival rendra hommage à l'actrice nippone Kinuyo Tanaka, inoubliable interprète de Mizoguchi (La vie d'Oharu, femme galante), Ozu et Ichikawa, ainsi qu'à l'icône chinoise du muet Ruan Lingyu à travers une sélection de leurs plus grands films.
Traditionnelle vitrine internationale du cinéma insulaire, le festival ne manquera de projeter plusieurs longs et courts-métrages taïwanais. Une section parallèle sera consacrée à la nouvelle Shanghai.
Enfin un Panorama découpé en trois thématiques viendra compléter cette riche édition : Selection of City Visions (où figurent entre-autres Tetro de Coppola, Lourdes de Jessica Hausner et Hadewijch de Bruno Dumont), Voices from Asia et Generation Next.

Films en compétition :

BOY de Taika Waititi (Nouvelle-Zélande)

CASTAWAY IN THE MOON de Hey-jun Lee (Corée du Sud)

EAMON de Margaret Corkery (Irlande)

THE FOURTH PORTRAIT de Mong-Hong Chung (Taïwan)

LAST COWBOY STANDING de Zaida Bergroth (Finlande/Allemagne)

KICK-OFF de Shawkat Amin Korki (Kurdistan irakien/Japon)

LAST RIDE de Glendyn Ivin (Australie)

PHOBIDILIA de Doron Paz (Israël)

PINOY SUNDAY de Wi-Ding Ho (Taïwan)

R de Michael Noder (Danemark)

WOMEN WITHOUT MEN de Shirin Neshat (Allemagne/Autriche/France)

SUSA de Rusudan Pirveli (Géorgie)

Not Dead Yet !

2010-06-05T05:09:00.000-07:00

Laissé à l'abandon depuis le mois de décembre 2009 pour cause de suractivité de son hôte (dont la réalisation d'un court-métrage que l'on souhaite bientôt visible), le blog L'Antre de la Bête devrait prochainement renaître de ses cendres avec quelques articles éparpillés par-ci par-là sur des choses que vous ne lirez nulle part ailleurs. Stay connected !

Revue de fanzines

2009-12-18T09:21:00.000-08:00

Alors que Roberto Tobias vient tout juste d'annoncer la parution du quatrième numéro de Diabolik Zine, voici un rapide passage en revue des fanzines de cinéma bis que j'ai eu dernièrement entre les pognes. J'adresse au passage à ces Messieurs les auteurs/créateurs de ces ouvrages mes plus sincères compliments pour le travail titanesque et passionné accompli. Je serais bien en peine de faire de même. J'ai essayé, et cela n'a fait que conforter mon admiration pour ceux qui perpétuent, malgré des obstacles majeurs (Internet en étant un, quoiqu'on en dise), la tradition du fanzinat francophone.

Après avoir commandé voici quelques semaines les trois volumes "spécial vampires" des Monstres de la Nuit auprès d'Eric Escofier, j'apprends que l'ensemble est vendu 20 euro de moins sur le site de l'association Sin'Art. Enfin bref, passons... Une sacrée entreprise néanmoins que cette collection (à laquelle s'ajoutera peut-être un quatrième tome) qui entreprend d'établir une filmographie chronologique du "film de vampires", de 1922 à 1974. Tout en regrettant la trop grande place accordée aux résumés des intrigues et aux carrières des acteurs/réalisateurs au détriment de la partie critique, ce triptyque riche en illustrations s'avère être une mine d'informations impressionnante, efficace et concise pour qui vient de mâter un film de vampires et cherche un petit quelque chose à lire à son propos. Le premier tome a l'extrême bon goût de nous rappeler les origines historiques du vampire.

Arrivée dans la foulée, la seizième salve du Euro Bis de Bertrand Van Wonterghem constituait pour moi une découverte, et soucieux de constater l'évolution de ce fanzine joliment artisanal (des agrafes en guise de reliure), j'avais aussi commandé le premier numéro. L'existence de l'IMdb sur Internet rend bien anecdotique les nombreuses filmographies de personnalités qui jalonnent le numéro un, et qui semble être une constante dans la ligne éditoriale d'un fanzine qui jouit toutefois d'une identité propre. Le dernier numéro, puisque c'est celui qui nous intéresse, s'éloigne des sentiers battus en revenant en détails sur la carrière d'Osvaldo Civirani, habile artisan du bis dont l'œuvre éclectique méritait bien d'être ainsi décortiquée, et comble une injustice par un hommage à l'acteur anglais Edward Judd.

Avec Prom Night Collector, on atteint là ce dont tout amateur de fanzines rêve la nuit : un énorme pavé compilant les publications successives (dont certaines inachevées) de l'auteur (l'érudit Frédéric Mathieu), qui ne s'encombre pas de remplissage inutile et aligne des tonnes et des tonnes de critiques, commentaires, réflexions, analyses et reportages. Les aspects esthétiques et ergonomiques étant également très soignés (belle couv', reliure professionnelle), feuilleter la chose se révèle un plaisir absolu. On ouvre, on parcourt les pages dont le moindre espace est utilisé à bon escient, on s'arrête sur la critique d'un film vu récemment, puis on continue... indéfiniment. Il n'y est d'ailleurs pas toujours question de cinéma bis, puisque de nombreux articles de fond traitent de sujets aussi passionnants que peu explorés, tels que les westerns de Hopalong Cassidy, les films de propagande soviétiques ou encore la carrière d'acteur d'Elvis Presley.

Laura Gemser parle d'Emanuelle

2009-12-17T08:37:00.000-08:00

Cela ne date pas d'hier (2000), mais étant donné que Laura Gemser n'est jamais pressée de sortir de sa réserve pour évoquer sa carrière, mieux vaut ne pas s'en priver. On peut trouver sur Youtube une courte interview de Laura extraite du documentaire "Emanuelle - A Hard Look" réalisé par Alex Cox, un baroudeur au parcours atypique, capable de réaliser un étonnant western sud-américain (Walker) comme d'apparaître comme acteur dans un très bon film colombien (Rosario Tijeras).

Ce document audiovisuel est sans doute ce que l'on pourra trouver de plus récent concernant Laura, dont l'après-carrière reste mystérieuse. On s'étonne de certains propos de la (toujours) belle Indonésienne, lorsqu'elle déclare notamment: "It's hard to make love with women. I mean, it's really hard. But, you know, you get paid for it, so you do it. You just... do it."
La petite phrase qui conclut l'extrait est sans appel : "A little bit tired of doing this, I was trying to do some other kind of movies. But... I had that label on me, and it's very hard to get out of it. So I said 'I hate it,' so I stopped doing it."

Pourtant, même si Laura Gemser est rarement apparue dans un film sans se déshabiller au moins une fois - pas plus tard qu'aujourd'hui, j'ai regardé le hautement "nanardeux" L'épée du Saint-Graal de D'Amato où elle intervient quelques minutes toute habillée, étant aussi créditée comme "costume designer"- sa filmographie révèle de bien curieuse surprises. Telle sa contribution à Love Camp (éditée en VHS par Erotic Video, visuel ci-contre), une fable érotique tournée à Chypre par l'Autrichien Christian Anders, qui interprète et produit également la chose. Laura incarne le gourou d'une secte vivant en autarcie dans un «camp d'amour» où les adeptes peuvent copuler en toute liberté. Un bon prétexte pour déshabiller tout le monde, et Laura en particulier qui s'adonne à de nombreux plaisirs bisexuels. Gabriele Tinti est de la partie, et comme à chaque fois qu'il joue aux côtés de sa femme, il finit par mourir. Reste que ce Love Camp, déniché au milieu d'un bac de pornos, emporte toute ma sympathie.

Mort d'une tronche

2009-12-17T07:54:00.000-08:00

Je n'étais pas au courant. Une "gueule" du cinéma français, Dominique Zardi, est décédée au cours du mois de décembre à l'âge de 79 ans. D'une carrière vouée aux apparitions ou aux rôles secondaires, on retiendra surtout ses nombreuses contributions à l'œuvre de Jean-Pierre Mocky (jusque dans les derniers films de ce dernier). Pour ma part, je l'avais revu dernièrement en tueur dans l'excellent Ils... de Jean-Daniel Simon.

"L'Ordre" retrouvé chez Doriane Films

2009-12-16T07:37:00.000-08:00

Hier j'ai regardé Punishment Park de Peter Watkins. Un choc. Une merveille de docu-fiction, qui impressionne par sa virtuosité et son audace filmique bien plus qu'il n'interroge les accès paranoïaques de notre société. La version que j'ai visionné provient d'une cassette VHS éditée par Doriane Films. Intrigué, je me renseigne et apprends que Doriane Films existe encore et a réédité la quasi-totalité de son catalogue en DVD (y compris Punishment Park qui cette fois, support DVD oblige, est accompagné de deux courts de Watkins). En naviguant sur le site Internet de la société, on découvre un catalogue édition/distribution fort intéressant, rempli de films que l'on pensait invisibles. J'ai eu ainsi la surprise de constater que L'Ordre, un documentaire électrisant du grand Jean-Daniel Pollet que j'avais eu l'occasion de voir il y a peut-être cinq ans, figure au menu d'une compilation de courts et moyens-métrages du cinéaste (visuel ci-dessous). Et moi qui croyais que cette puissante et silencieuse immersion parmi des lépreux parqués sur une île grecque, qui figure en tête des mes documentaires favoris, n'avait jamais bénéficié des nouveaux moyens de distribution ! A commander pour Noël...

Rétrovidéo

2009-12-16T01:26:00.000-08:00

Turkish Vendetta

2009-12-13T07:49:00.000-08:00

Turkish Vendetta, c'est le nom d'un documentaire sur les films d'auto-défense réalisés en Turquie pendant l'âge d'or du cinéma populaire dans ce pays. Ce documentaire, produit par Sinematik (dont le blog paraît bien sympathique pourvu que l'on comprenne le turc) résume dans les grandes lignes les aspects du "vigilante movie" à la byzantine, entrecoupé de nombreux extraits de films où apparaissent les principales figures du genre (Yilmaz Güney et Cüneyt Arkin entre-autres). Un doc très simpliste qui a toutefois le mérite d'éclairer notre curiosité sur une frange toujours largement méconnue du cinéma-bis qui, par son manque de visibilité, continue d'attiser tous les fantasmes chez les bissophiles occidentaux. Un doc que l'on retrouve en bonus sur le DVD de Cellat, The Executioner, la fort appréciable réplique ottomane de Death Wish, édité par Onar Films. Cela nous donne l'occasion de louer ici-même le travail archéologique de Onar Films, maison d'édition basée en Grèce qui est à ce jour la seule et unique en Europe à distribuer, toujours en quantité ultra-limitée et munis de sous-titres anglais, des films variés (fantastique, giallo, super-héros...) issus du cinéma populaire turc. A l'exception notable de Mondo Macabro (via un "2 en 1" réjouissant incluant Tarkan vs. The Vikings), nul autre que Onar ne s'est risqué sur ce marché de niche, agrémentant généreusement les quatorze titres de son catalogue de bonus rares (documentaires, affichettes).

Rétrovidéo

2009-12-12T07:58:00.000-08:00

Les films de Harry Novak en DVD

2009-12-08T10:45:00.000-08:00

Le cinéma d'exploitation et le cinéma-bis ont souvent été une affaire de producteurs. Sans les Dick Randall, David F. Friedman, Fabrizio De Angelis, Robert de Nesles et confrères, nous n'aurions pas eu beaucoup d'éléments pour définir justement une certaine frange du cinéma de genre. Les collections consacrées à ces financiers de l'ombre sont bien peu courantes pour que l'on évoque ici même le travail remarquable de SoDemented Cinema, un éditeur basé aux Pays-Bas qui a crée une collection intitulée « The films of Harry Novak », du nom de cet Américain qui, au cours des années soixante et soixante-dix, a produit une estimable quantité de films dénudés. C'est à lui que l'on doit The Sinful Dwarf, coquinerie délicieusement perverse tournée au Danemark que l'on avait soudainement (re)découvert au moment où Severin Films la sortait en DVD. Peu avaient alors mentionné que, plus près de nous, SoDemented Cinema avait déjà édité une galette fort recommandable de ce truc bien tordu s'intéressant à une maison-close clandestine où quelques jolies captives nues sont retenues et abusées par une mère-maquerelle et son fils, un nain vicieux et hideux. Les autres DVD de la collection « The films of Harry Novak » sont visibles ici-même.

Rétrovidéo

2009-12-05T03:09:00.000-08:00

Avec M. Sarkozy dans le rôle de l'assassin...

2009-12-04T06:51:00.000-08:00

Une anecdote amusante. Engagé dans un cycle "cinéma hongrois en VHS" (sur lequel un de nos fanzines serait bien inspiré de se pencher), je suis tombé sur un film intitulé La victime, édité par Socai. Histoire policière assez terne, très mal doublée en français, la chose a la particularité de compter au générique un certain Zoltan Sarközy, probablement un lointain cousin de notre Président, dans le rôle de l'assassin ! Pour preuve, j'en veux l'agrandissement du détail de la jaquette ci-après*.

* Les visuels ayant disparu du site, je ne peux plus vous montrer ce detail.

Rétrovidéo : Critiques de films bis en VHS

2009-12-04T04:00:00.000-08:00

J'ai retrouvé de vieux feuillets destinés à l'époque à alimenter un fanzine qui n'a jamais vu le jour. Histoire que tout cela ne reste pas enfoui dans un tiroir, j'ai décidé de vous les faire partager. Voici donc, pour le plaisir des vidéophiles, quelques brèves critiques de films bis. Les feuilles ont été scannées un peu de travers...

Dana Andrews, cette "femme fatale"

2009-11-04T03:18:00.000-08:00

Amusante et grossière bêtise relevée en relisant un vieux numéro de Mad Movies, que beaucoup sans doute ont déjà commise et qui témoigne, si besoin est, de l’acculture crasse d'une partie du corps rédactionnel de cette revue jadis fort érudite. A propos des sorties en DVD, par l’éditeur Carlotta, de plusieurs films noirs américains des années quarante et cinquante, voici ce que l'on peut lire : «Ces nouveaux héros (…), Richard Widmark, James Stewart, Richard Conte et Victor Mature vont les personnifier à plusieurs reprises, Gene Tierney, Linda Darnell et Dana Andrews venant les épauler dans des rôles de femmes souvent vénéneuses.» L’ œil du non-initié ne saurait être perturbé à la lecture de cet extrait, et pourtant cherchez l’erreur ! L’auteur de cet article semblait en effet ignorer - j'ose espérer qu'il a depuis comblé cette lacune - que Dana Andrews, en dépit d’un prénom féminisant, est un monsieur, au même titre que Dana Carvey (l’acolyte de Mike Myers dans Wayne’s World) ou Dana Ashbrook (de la série Twin Peaks). Ignorance impardonnable quand on sait que Dana Andrews figure parmi les grands d’Hollywood et qu’il a été le héros d’un classique du cinéma fantastique : Rendez-vous avec la peur de Jacques Tourneur…

Terre Inconnue : Gros plan sur... Iulian Mihu

2009-11-03T04:52:00.000-08:00

Iulian Mihu est considéré comme l'un des plus grands cinéastes classiques roumains. Sa carrière est intéressante à plus d'un titre : à l'instar de Manole Marcus avec qui il collabora quelques temps, Mihu a traversé la dictature communiste, qu'il a vu naître puis mourir, en se souciant tout autant de la qualité artistique de ses films que de la censure qu'il contournait avec plus ou moins d'habileté. En 1958, année de ses débuts, il co-réalise deux films avec Marcus, "La mere" (Les voleurs de pommes) d'après Tchekhov et "Viata nu iarta" (La vie ne pardonne pas), un film de guerre, avant d'acquérir sa liberté en 1961 en dirigeant seul "Poveste sentimentala" (Histoire sentimentale), un drame poignant qui met en scène la starlette Irina Petrescu aux cotés du charmant Cristea Avram, qui gagnera l'Italie à partir de 1966 pour y poursuivre une copieuse carrière dans le cinéma d'exploitation sous le nom de Chris Avram, et de Victor Rebengiuc, acteur toujours en activité aujourd'hui. L'action débute dans le décor coquet de la grande bourgeoisie bucarestoise où un jeune aspirant médecin se voit refuser un poste par son futur beau-père qui lui préfère un autre gendre. Il part alors pour la côte et s'installe dans un village de pêcheurs qui, voyant d'un mauvais œil l'arrivée de ce citadin instruit et arrogant, lui réservent un accueil hostile. Le film est l'histoire de cette adaptation douloureuse, filmée dans un noir et blanc séduisant. C'est un drame, au sens puissant du terme, dont la pesanteur parfois trop appuyée n'est pas sans rappeler le Cacoyannis de Zorba le Grec. "Felix si Otilia" (Félix et Otilia), réalisé onze ans plus tard, est considéré par beaucoup comme le chef-d'œuvre de Mihu, mais je m'attarderai plutôt sur "Lumina palida a durerii" (La lumière pâle de la douleur), épopée naturaliste d'une beauté renversante qui s'intéresse au sort d'un village oublié à la veille de la Seconde Guerre Mondiale. Conscient que le désintéressement de ses protagonistes pour la chose politique pourrait déplaire au régime, le cinéaste introduit à la fin du métrage un personnage dont la simple présence permettra au film de passer la censure : un soldat allemand, qui ne fait rien de spécial sinon que les paysans lui résistent pacifiquement et redécouvrent, au contact de cet étranger à l'allure hautaine et grotesque, le sentiment patriotique. L'épisode, caricatural au point d'en être comique, reste cependant anecdotique. Avec "Comoara" (Le trésor), aventure médiévale volontairement risible qui décrit les luttes de clans pour la possession du trésor de l'ancien roi Dace Décébale, Mihu entendait là se moquer d'un certain cinéma historique à tendance nationaliste, hérité du péplum italien, dont se rendirent coupables par le passé Nicolaescu, Mircea Dragan ou Dinu Cocea. Mais il n'y réussit pas, la censure s'empara aussitôt du film et en interdit la diffusion.

The Alphabet Killer chez Catchplay (Taïwan)

2009-09-29T20:11:00.000-07:00

Faisons un zoom sur Catchplay, un distributeur de films en salles et en DVD qui compte à son actif pas mal de sorties intéressantes à Taïwan.

Catchplay s'apprête par exemple à distribuer en salles Pandorum de Christian Alvart (qui sortira le 02 octobre ici) ainsi que Halloween II de Rob Zombie (le 21 octobre). Mais c'est du côté du DVD que l'on trouve les bricoles les plus intrigantes. Catchplay s'est en effet fendu d'éditions prestigieuses de films qui n'en demandaient pas tant, tels que Crank 2: High Voltage, Kill Switch avec Steven Seagal et même d'un coffret pour In the Name of the King : A Dungeon Siege Tale d'Uwe Boll. J'ai pour ma part jeté mon dévolu sur le fort appétissant The Alphabet Killer de Rob Schmidt.

De Rob Schmidt, réalisateur de Wrong Turn, on attendait un thriller haut de gamme. The Alphabet Killer ne comble pas toutes les espérances mais s'avère plutôt recommandable. Un tueur de petites filles sévit dans la bourgade de Rochester, tandis que l'enquête est confiée à une jeune inspectrice que l'abnégation et l'ardeur déployées à démasquer le coupable conduisent à la dépression... L'idée d'un tueur choisissant ses victimes en fonction de leurs initiales était prometteuse, on regrette qu'elle soit abandonnée au profit de l'argument psychologique, fondé sur les démons intérieurs et les hallucinations de l'enquêtrice. Eliza Dushku porte le film sur ses frêles épaules. On est heureux de revoir Michael Ironside dans un rôle conséquent.

Robert Ginty s'en est allé

2009-09-29T09:37:00.000-07:00

Une information passée relativement inaperçue, relayée par le blog de l'excellentissime site Nanarland.com. Robert Ginty, véritable icône du film d'exploitation écervelé, est décédé dernièrement à l'age de 60 ans. Connu du grand public pour un rôle récurrent dans la série Les têtes brûlées dans les années 70, Ginty le blond moustachu s'était illustré dans Exterminator (Le droit de tuer) de James Glickenhaus, l'un des films d'auto-défense les plus radicaux, puis dans un large panel de nanars de genre. Au cours de sa carrière, il avait croisé Jean-Marie Pallardy (l'inénarrable White Fire), Charles Band (L'alchimiste, pas vu), s'était aventuré en Italie (Le chevalier du monde perdu, un post-apocalyptique déplorable), avait tâté du film de jungle fauché (l'ennuyeux Le baroudeur) et du film anti-communiste primaire (l'amusant La mission). Sur une jaquette de VHS, le nom de Robert Ginty était automatiquement associé à "daube rigolote", mais certains esprits dérangés, dont le mien, s'en réjouissaient (et s'en réjouissent toujours). Nous vivons décidément des heures noires...

Pour quelques séries B (et un Asylum) de plus...

2009-09-29T08:28:00.000-07:00

War of the Worlds par The Asylum

«La guerre des mondes» de H.G. Wells vue par The Asylum. Ça n'est pas honteux, loin de là. Bien sûr les effets spéciaux numériques sont souvent risibles, mais insérés dans un décor de désolation soigneusement reconstitué, ils passent plutôt bien. Bien sûr l'image DV est parfois crasse, mais la qualité sonore est au rendez-vous. Bien sûr certains mouvements de foule souffrent d'un nombre insuffisant de figurants, mais l'interprétation concernée de C. Thomas Howell, épaulé par un Jake Busey (partiellement crédité sous le nom de William Busey !) venu prêter main forte, contrebalance ce défaut. Il s'agit là du cinquième film de The Asylum que je visionne, et si je dois tirer un premier bilan de cette digestion, je dirais que je suis agréablement surpris. Handicapée par des budgets anémiques qui collent mal à l'ambition de ses projets, la firme parvient pourtant à livrer des séries B ou Z plus ou moins potables en s'appuyant sur des scénarii astucieux et une troupe d'acteurs fidèles et motivés. Mais de toute évidence, les films estampillés «The Asylum» ne s'adressent pas à un public habituel. Il faut certainement beaucoup d'indulgence, et accessoirement avoir ingurgité au préalable pas mal d'autres trucs nauséabonds, pour y trouver un intérêt.

et aussi...

Behind Enemy Lines II : Axis of Evil de James Dodson avec Nicholas Gonzalez, Peter Coyote, Bruce McGill.

S'il est une chose rare dans un film de guerre, c'est que les habituellement ennuyeuses séquences dites «de bureau», où le Président, le Secrétaire d'État à la Défense, divers conseillers patibulaires et une secrétaire-potiche discutaillent de l'avenir du monde, soient plus intéressantes que les scènes d'action sur le terrain. C'est pourtant bien ce qu'il se passe dans cette première séquelle (une autre, située en Colombie, est depuis apparue) pas vraiment indispensable de Behind Enemy Lines qui a au moins le bon goût de nous épargner la tête d'abruti de l'insupportable Owen Wilson, ici remplacé par Nicholas Gonzalez (qu'on a vu se faire bouffer dans Anacondas) entouré d'une belle brochette de seconds couteaux. Le territoire ennemi est ici la Corée du Nord où des marines sont largués afin de mettre hors d'usage une base de lancement de missiles.

Hatchet de Adam Green avec Kane Hodder, Robert Englund, Tony Todd.

Sans nul doute l'un des slashers les plus jouissifs de ces derniers mois, qui donne l'occasion à deux icônes du film d'horreur, Kane Hodder et John Carl Buechler, de revenir à ce qu'ils savent faire de mieux, jouer les massacreurs pour l'un, créer des maquillages d'enfer pour l'autre. Avec le difforme Victor Crowley, qui hante le bayou de Louisiane armé d'une hachette, le réalisateur avait pour ambition de créer un successeur crédible à Jason Voorhees. Kane Hodder, qui en connaît un rayon sur les tueurs siphonnés du bulbe, était le candidat idéal pour épouser la carcasse pourrie du croque-mitaine. Il y a de la tripaille à satiété (mâchoire écartelée, bras arrachés, tête retournée) et du nichon en quantité raisonnable (ceux de Mercedes McNab sont fort appétissants). En somme, tout ce dont nous autres avons besoin pour trouver le sommeil...

Hellraiser : Deader & Hellraiser : Hellworld de Rick Bota avec Doug Bradley.

Quiconque a autrefois été subjugué par le génie créateur de Clive Barker aura peine à trouver une quelconque parenté entre Hellraiser premier du nom et ces deux séquelles récentes portant les chiffres 7 et 8. Il n'est donc plus question de démons poursuivant sur Terre ceux qui ont échappés à leur enfer sadomasochiste et dont le corps peut être régénéré par le sang de victimes innocentes, mais plutôt de morts provoquées par le seul fait d'avoir activé la fameuse boite libérant les Cénobites. «Pinhead» est ici réduit à quelques apparitions, pendant que Rick Bota filme avec peu de conviction des acteurs médiocres livrés aux maquillages de Gary J. Tunnicliffe, qui accomplit ici un travail plus satisfaisant que sur Dracula II et III. Et puis disons-le une bonne fois pour toutes : c'en est assez de nous ressasser les mêmes cages d'escalier et les mêmes figurants débiles chaque fois qu'un film est tourné à Bucarest. Il est temps de changer de décor !

Half Past Dead 2 de Art Camacho avec Bill Goldberg et Kurupt.

Encore une production Andrew Stevens, qui a pris l'habitude de balancer des séquelles sans que l'on puisse se remémorer l'obscur succès auquel elles se réfèrent. Ici, il s'agit en l'occurrence du dernier film de Steven Seagal sorti en salles (ça fait un bail !). L'ancien catcheur Bill Goldberg prend la relève dans la salopette du gros baraqué et un rappeur en chasse un autre dans le rôle du Noir bavard. L'action se passe donc toujours dans une prison, où éclate une mutinerie permettant à un gang se prendre possession des lieux. Le baraqué et le Noir se retrouvent embarqués malgré eux dans l'histoire. De la bastonnade pas chère, torchée vite fait bien fait, c'est en somme tout ce dont nous autres avons besoin pour avoir l'esprit libre...

The Rockville Slayer de Marc Selz avec Joe Estevez, Robert Z'Dar et Linnea Quigley.

Le mouton noir de la famille Sheen (ou Estevez, c'est selon), l'ancien Maniac Cop sans son maquillage (encore plus moche qu'avec) et une ex-scream queen affamée, cela ne pouvait qu'être Z. C'est d'ailleurs dommage qu'il n'existe pas une autre lettre après Z car ce Rockville Slayer y aurait sûrement sa place. J'évoquais dans le commentaire sur War of the Worlds (voir plus haut) «des trucs nauséabonds» qui feraient passer les productions The Asylum pour du Claude Chabrol, en voilà justement un parfait exemple. Sans scénario, sans savoir-faire technique, avec des acteurs jetés en pâture et surtout sans le moindre travail de mixage (dialogues inaudibles suivis d'une musique à vous péter les tympans !), ce film est une véritable abomination. Si vous le voyez sur une étagère de vidéo-club, un conseil, passez votre chemin !

Necrologia

2009-09-17T09:08:00.000-07:00

Dans la courte nécrologie établie en avril dernier au sujet des décès survenus depuis début 2009, j'ai omis quelques noms qui méritent d'être rappelés à notre mémoire. Celui notamment de Roland Lesaffre, visage récurrent du cinéma français d'après-guerre qui fit aussi de timides incursions dans le cinéma populaire italien. Je me souviens de son nom sur la jaquette de Destination Planète Hydra de Pietro Francisci et sur l'affiche de La fille des Tartares, juste en dessous de celui de Yoko Tani qui allait devenir sa femme. Décès également, à l'âge de 87 ans, de Jean Martin, qui fut un grand homme de théâtre mais surtout le téméraire, ambigu et loyal colonel Mathieu dans La bataille d'Alger de Pontecorvo. L'audacieux polar en noir et blanc 13 Tzameti nous avez fait redécouvrir, au milieu d'une ribambelle de gueules d'atmosphère, le profil émacié de Vania Vilers, qui nous a quitté le 22 avril dernier. Les nécrologies mentionnent surtout sa participation éphémère à la regrettable série Plus belle la vie ! (où, rappelons-le, s'est aussi égarée notre Catriona Mac Coll tant admirée) comme s'il s'agissait du rôle de sa vie. No comment... Enfin, je me sens honteux d'être passé à côté de la disparition d'une grande déesse du péplum : Gianna Maria Canale. Inoubiable Theodora, Impératrice de Byzance pour Vittorio Cottafavi, elle côtoiera à plusieurs reprises Steve Reeves (les travaux d'Hercule), Gérard Barray (Scaramouche), Gordon Scott et Georges Marchal (La révolte des gladiateurs). Dans Les vampires, son époux Riccardo Freda lui confiera LE rôle qui fera pleinement ressortir sa beauté ténébreuse. Elle avait 81 ans.

Disparition de Mary, du trio "Peter, Paul & Mary"

2009-09-17T08:34:00.000-07:00

Mes amis et lecteurs assidus savent combien je chéris, au même titre que le cinéma d'exploitation, la musique country et son assise originelle, la musique folk. C'est donc avec tristesse que j'ai appris la disparition de Mary Travers, voix féminine du sublime trio folk "Peter, Paul & Mary". C'est en lisant, il y a fort longtemps, l'indispensable livre de Jacques Vassal Folksong (Albin-Michel) que j'ai découvert l'existence de cet harmonieux groupe qui a marqué la musique folk américaine des années soixante. Mary, c'était la jolie blondinette du trio, qui entonnait d'une voix poignante les accords de ses deux compères Peter Yarrow et Paul Stookey. Leur version de "Blowin' in the wind" de Dylan est supérieure à celle de Joan Baez, leur reprise de "Where have all the flowers gone" de Pete Seeger égale celle du Kingston Trio. Deux de leurs titres originaux, "If I had a hammer" et "Puff the Magic Dragon" furent adaptés en français par Claude François. Mary Travers avait 72 ans.

The Asylum : une terre d'asile pour la série Z

2009-09-16T09:28:00.000-07:00

L'Antre de la Bête poursuit son exploration des productions The Asylum, entamée quelques articles plus bas.

Les productions The Asylum sont de ces machins pas très bien faits, pas très intelligents, pas très honnêtes, que l'on regarde d'un œil distrait tout en s'astiquant le poireau devant une vidéo de YouPorn. Dans ces circonstances, mais dans ces circonstances seulement (le Groland Mag'zine pouvant toutefois remplacer la vidéo de cul), la projection passe plutôt bien. Prenons par exemple Exorcism : The Possession of Gail Powers, dont le titre fait sans détour référence au déjà très B The Exorcism of Emily Rose et dont la jaquette du DVD taïwanais montre un sublime Luke Perry (ou un sosie) qui n'apparaît sublimement pas dans le film. Durant la petite heure et demi que dure cette sympathique daube, tout ce que l'on voit en guise de possession est une jeune fille se tortillant à moitié nue sur son lit en vociférant des insanités, et en guise d'exorcisme une séquence toute droit sortie de feu l'émission Mystères avec un prêtre aveugle à la musculature de catcheur brandissant une pauvre crucifix acheté 2 dollars au Cash Express du coin. L'image DV est bien moche et ne rend guère hommage aux efforts des acteurs, notamment Erica Roby, une charmante frimousse qui tient ici son premier rôle et accomplit une réelle performance. On saluera au passage la relative bonne tenue du casting dans ce film comme dans d'autres (The Hitchhiker était surprenant de ce côté-là), preuve que tout n'est pas forcément bâclé chez The Asylum. Erica Roby deviendra par la suite une régulière des productions de l'asile et apparaîtra, encore plus dénudée, dans Halloween Night qui occupe le haut du panier du catalogue «horreur» de la firme.

Torché à la hâte pour profiter de la sortie du fort décevant Halloween de Rob Zombie avec lequel il ne soutient la comparaison qu'en termes d'humilité, ce slasher pur jus a l'extrême bon goût de ne pas nous ennuyer un seul instant. Le principe de l'intrigue est qu'il n'y en a pas (ou peu) : le visage entièrement brûlé après avoir assisté dans son enfance au viol et au meurtre de sa maman, Christopher Vale s'échappe de l'hôpital et revient sur le lieu du crime que des ados crétins ont investi pour la nuit d'Halloween. Sans que l'on sache pourquoi, mais sans que ça ne paraisse illogique, il massacre les convives à la hachette. Les meurtres sont nombreux, toujours très sanglants, ponctués d'intermèdes érotiques généralement interrompus par l'irruption du tueur, dont le maquillage est assez réussi. Notons, c'est amusant, que le masque originel de Michael Myers - qui apparaît dans la séquence d'ouverture, porté par les assassins de la mère - est associé par le tueur au mal absolu, puisqu'il dessoude au premier regard deux bonshommes arborant ledit masque.

Werner Herzog, l'homme-grizzly et un DVD taïwanais

2009-09-10T02:54:00.000-07:00

Je ne cacherai pas ici mon admiration pour Werner Herzog. Voilà probablement l'un des très rares cinéastes encore capables, après plusieurs décennies de carrière, de toucher à tous les genres avec la même exigence et la même qualité, à l'instar d'un Barbet Schroeder. Pour s'en persuader, il suffirait de visionner L'énigme de Kaspar Kauser puis Rescue Dawn, un film de guerre à contre-temps, tout à la fois épique, épuré, désespérant, débordant de vie, porté par l'abnégation sans faille de Christian Bale. C'est donc avec surprise et délice que j'ai découvert, ici même à Taipei, une bien belle édition DVD destinée au marché local* d'un autre OFNI de Werner, le documentaire Grizzly Man. On serait curieux de savoir pourquoi Herzog s'est tant pris d'intérêt pour l'histoire tragiquement futile (ou futilement tragique) du dénommé Timothy Treadwell, l'homme qui vécut plus de dix ans au contact des ours d'Alaska avant de périr cruellement sous les griffes de l'un d'eux. La réponse se trouve dans le film, que je vous invite à découvrir. L'oeuvre est d'autant plus intéressante qu'elle est surtout constituée des rushes tournés par Treadwell et non par Herzog, qui ici utilise le matériel filmique anodin d'un tiers pour mieux appréhender l'obsession de ce dernier. En d'autres termes, le regard d'un artiste professionnel sur le travail (l'existence et la mort) d'un misanthrope anonyme et atypique.

* C'est le distributeur Gull qui est à l'origine de ce DVD contenant des sous-titres anglais et chinois. Il a aussi distribué l'édition MK2 de l'inclassable 13 Tzameti.

Des séries Z sorties d'un Asile de fous

2009-09-08T03:58:00.000-07:00

Nous avions évoqué récemment, via la critique de Snakes on a train, la boite de production The Asylum qui s'est spécialisée dans la « pré-copie » des nouveaux succès hollywoodiens. Le concept est simple et audacieux : s'inspirer des futures grosses cylindrées issues des puissants studios (au moyens de bandes-annonces, aguiches...) pour produire à la va-vite des séries Z reprenant plus ou moins le concept de base des films «copiés», affublées d'un titre et d'un visuel promotionnel très proches des originaux. Opportuniste en diable, The Asylum se débrouille toujours pour mettre ses produits sur le marché avant même ceux de la Fox ou de la Paramount. Cela vise en partie à semer la confusion dans l'esprit étourdi ou pas très futé du locataire de DVD qui, croyant se mâter tranquillement un Da Vinci Code, tombera sur un très ressemblant Da Vinci Treasure, sans Tom Hanks mais avec plein d'acteurs inconnus et une image de qualité médiocre.

Une partie du catalogue The Asylum a été édité en DVD à Taïwan par la société Ching Da Video et plusieurs titres sont vendus au rabais dans les enseignes de la chaîne Blockbuster, dissimulés dans des corbeilles réservées aux indésirables où foisonnent aussi d'obscurs films de guerre russes et de fantômes asiatiques. Friand de confiseries qui donnent mal à l'estomac, j'en ai donc acquis quelques-uns, à commencer par Pirates of Treasure Island. Calqué sur l'imbuvable trilogie avec Johnny Depp mais se prévenant malicieusement de toute attaque en justice pour «plagiat» en se prétendant inspiré de «L'île au Trésor» de R.L. Stevenson, la chose fait donc intervenir Long John Silver sous les traits d'un Lance Henriksen désormais en tête de la liste des acteurs étiquetés «bon rapport qualité/prix». Lance cabotine comme un bambin au milieu de comédiens amateurs exécrables, à l'image du type censé interpréter un capitaine français. On ne s'étonnera jamais assez de l'incapacité des producteurs à engager des acteurs «natifs» lorsqu'il s'agit d'interpréter des étrangers. On ne me fera pas croire que dénicher en Californie un Frenchie assez aventureux pour accomplir la besogne relevait de l'impossible. Si on me l'avait proposer, je l'aurais même fait pour une poignée de dollars !... Bref, ces Pirates de l'île au Trésor ne s'activent qu'une heure et quart et pourtant cela semble une éternité. Sans doute pas l'un des meilleurs crûs de The Asylum...

Mis en chantier pour concurrencer le remake de The Hitcher auquel il est sans nul doute supérieur, The Hitchhiker est en revanche une bonne surprise. Le scénario est tout bête : quatre nanas en partance pour Vegas prennent en stop un beau mec qui se révèle un fieffé psychopathe souffrant de misogynie aigüe. Dans ce rôle tendancieux, l'acteur Jeff Denton, un habitué des productions de l'asile, est plutôt convaincant. Le réalisateur maison Leigh Scott filme avec un certain sens du rythme un scénario qui réussit l'exploit de ne pas être ennuyeux et de ne presque jamais souffrir d'invraisemblances. J'insiste ici sur le mot «presque» car il y a quand même une séquence qui vaut son pesant de cacahuètes : deux flics se présentent au motel où l'auto-stoppeur meurtrier retient les donzelles en otage, celui-ci sort alors pour accueillir les visiteurs et ferme derrière lui la porte toute maculée du sang d'un malheureux fraîchement abattu. Impossible de rater ce détail, pourtant les flics ne remarquent rien. Au fur et à mesure que le dialogue s'installe, on en vient presque à s'arracher les cheveux devant tant de laxisme (des flics comme du scénariste) en se disant «Mais comment ne peuvent-ils pas remarquer la porte ensanglantée ??!!». Une fois les questions d'usage expédiées, l'un des officiers finit enfin par demander «Au fait, qu'est-il arrivé à votre porte?». Ce sont aussi ces petits riens qui nous rappellent qu'on est bien là en terre bis.

à suivre...

Aspects du cinéma d'horreur taïwanais

2009-09-01T02:05:00.000-07:00

Alors qu'Invitation Only (chroniqué plus bas) est récemment sorti en DVD, j'ai entrepris de visionner d'autres représentants du cinéma fantastique taïwanais. Petit passage en revue.

Le fantôme demeure le leitmotiv du cinéma fantastique asiatique, et Taïwan ne fait pas exception à la règle. Le thème ayant désormais été exploité jusqu'à l'usure, il devient difficile d'innover. Pourtant Silk fait montre d'une créativité bienvenue. Le film de Chao-Bin Su fait subtilement dévier l'élément fantastique vers la science-fiction. Il y est question d'un chercheur japonais qui a mis au point un dispositif révolutionnaire permettant de capturer l'esprit des morts. Dans un immeuble sordide de la banlieue de Taipei il capture l'esprit d'un jeune garçon et fait appel à un policier capable de lire sur les lèvres afin d'enquêter sur les circonstances de la mort de l'enfant. Si la seconde partie prend une tournure décevante et parfois grotesque avec l'irruption du fantôme de la mère du défunt, la tension reste constante et distillée avec inspiration. Les attaques du petit spectre sont particulièrement efficaces, ce que renforcent les expressions de terreur laissées sur le visage des victimes. Silk (« soie » en anglais, allusion au fil de soie qui relie l'ectoplasme à ses victimes potentielles) est un film populaire à Taïwan et s'est bien vendu à l'exportation. La formule du succès réside souvent dans la présence de comédiens d'origine différente, ici on parle mandarin, japonais (entre l'inventeur et son financier incrédule) et un peu anglais lors de la scène d'ouverture où un gros Occidental expérimente maladroitement le procédé. Cela faisait longtemps qu'un film de fantômes ne m'avait pas surpris de la sorte, la chose mérite vraiment d'être découverte.

J'ai eu aussi l'occasion de mâter Good Will Evil, une histoire pas trop moche d'orpheline au comportement bizarre recueillie par un couple en plein marasme. Le mari est un politicard en vue qui adopte la môme dans le seul but de servir sa popularité et en abandonne la garde à son épouse psychologiquement fragile (elle a été enfermée dans le placard quand elle était petite). Cette dernière suspecte l'enfant de vouloir la rendre folle. Il faut dire qu'il y a quelque chose qui cloche chez cette gamine, à commencer par ce poupon quelque peu effrayant qu'elle trimballe partout. Le jouet ne serait-il pas possédé ? Commis par deux réalisateurs, voilà un exemple assez typique des films de fantômes/esprits vengeurs de catégorie moyenne qui envahissent les étagères de vidéo-clubs asiatiques, à savoir beaucoup de bruit (des grincements de portes, des bruissements de feuilles, des murmures) et d'effets de montage (des prolepses en pagaille) pour au final un résultat proche du passable.

Même constat pour The Heirloom de Leste Chen, banal film de maison hantée qui réserve toutefois son lot de situations glaçantes. Un jeune homme revenu à Taïwan après avoir grandi à l'étranger reçoit une maison en héritage après le suicide collectif des membres de sa famille. Là encore, ça gesticule un peu dans le vide mais on concèdera quelques trouvailles scénaristiques intéressantes. Ainsi quiconque éveille la vindicte de la demeure est condamné à se réveiller chaque matin dans les entrailles du bâtiment maudit. C'est à nouveau au contact de retours en arrière progressifs que l'on apprend le passé des lieux et les secrets malsains qui entourent la famille. Il y a bien quelques moments vraiment lugubres, le réalisateur a manifestement le savoir-faire pour mener sa barque à bon port et maintenir l'attention jusqu'au bout, mais c'est après avoir vu le film que le ressentiment se fait plus précis. On peine à se souvenir d'une seule bonne séquence, on se perd en confusion avec d'autres films similaires.

Les nouveaux Seagal et Lundgren en DVD

2009-08-29T10:26:00.000-07:00

Alors que Missionary Man m'attend toujours sur un coin de table et que Diamond Dogs a déjà égayé une soirée morose dans un coin paumé de Nouvelle-Zélande, un nouvel inédit avec Dolphy Lundgren a fait son apparition. Il s'agit de Direct Contact, un titre qu'on a déjà eu l'impression d'entendre trois-cent-cinquante fois, sous la direction de l'Israélien Danny Lerner, un ancien de Nu Image. Et comme une bonne chose n'arrive jamais seule, on apprend la sortie simultanée du nouveau Steven Seagal, Driven To Kill (Le Prix du Sang en VF), deuxième collaboration avec le réalisateur Jeff King après Kill Switch que je n'ai toujours pas vu. Gageons qu'un petit Van Damme devrait prochainement poursuivre sur cette bonne lancée...

Invitation Only, l'horreur venue de Taïwan

2009-08-29T05:36:00.000-07:00

C'est le 19 août dernier qu'est sorti en location dans tous les vidéo-clubs de Taïwan le très attendu Invitation Only, premier film gore en provenance de l'île que je me suis empressé de louer. Pas déçu et déjà impatient d'attendre la parution du DVD à la vente.

Invitation Only a semble-t-il fait son petit effet au Marché du Film à Cannes. Rien d'étonnant à cela, cette combinaison peu délicate de torture-porn à la Hostel et de slasher a de quoi régaler n'importe quel amateur de l'un ou l'autre. Après l'habituel meurtre dans les toilettes pour mettre dans l'ambiance, l'intrigue débute sagement. Le personnage central est un rien-du-tout, un microbe, qui conduit son richissime et séduisant patron du boulot à la maison et surprend ce dernier un soir en train de culbuter une starlette sur le cuir de sa limousine. Le boss lui tend une invitation pour une soirée privée destinée aux gens de la haute. Tout excité, le modeste employé ne sait pas qu'il va devenir l'attraction d'un spectacle malsain. Cette première et prometteuse réalisation d'un dénommé Kevin Ko se paye la présence de la porno-star nippone Maria Ozawa, qui se déshabille un bon coup avant de passer à l'abattoir. Côté meurtres, on remarque une certaine prédilection pour l'égorgement (un classique désormais un peu trop récurrent dans les films d'horreur). Ainsi que deux moments dantesques : la longue et pénible séance de torture d'une malheureuse anonyme sous les yeux d'une respectable assemblée se délectant de la souffrance de la basse populace, et la séquence dite «du cafard». Alors que notre héros, tentant d'échapper à son sinistre sort, cherche une issue de secours, il tâtonne de la main au dessus d'une pièce surélevée et aplatit une grosse blatte visqueuse. Curieux de savoir ce qu'il a pu toucher, il constate l'insecte écrasé sur son doigt qu'il frotte aussitôt contre un mur pour l'en décoller. La bestiole se relève alors et s'éloigne en trainant une substance blanchâtre échappée de son abdomen. Le tout filmé en gros plan avec un vrai cafard. Bon appétit, merci ! Cet épisode parlera à tous ceux qui connaissent Taipei, pour qui cohabiter avec les cafards fait partie du quotidien. Dans la zone où j'habite actuellement, appelée Houshanpi (est de la capitale), ils pullulent aux abords des trottoirs et des bouches d'égouts dont ils sortent pendant la nuit. Avoir une envie de chocolat à minuit peut se révéler une expédition et les quelques mètres qui séparent votre domicile du premier 7 Eleven s'apparentent à un terrain miné où l'on garde les yeux rivés au sol pour éviter de piétiner l'une de ces répugnantes bestioles. Au petit matin, plus une trace des parasites, hormis les restes de ceux qui ont subi la loi des sandales la nuit précédente...

Salve de séries B en DVD (4)

2009-08-11T07:11:00.000-07:00

Une dernière livraison de séries B dévorées récemment.

Urban Legend 3 : Bloody Mary de Mary Lambert avec Kate Mara et Ed Marinaro.

Responsable à la fin des années 80 de l'effrayant Simetierre (qui reste à ce jour l'une des meilleures adaptations d'un bouquin de Stephen King sur grand écran) suivi d'un solide Simetierre 2, Mary Lambert demeure l'une des rares femmes-cinéastes à avoir marqué le cinéma fantastique. Discrète pendant plus d'une décennie, elle est récemment revenue par la petite porte via une deuxième séquelle au Urban Legend de Jamie Blanks, qui s'avère légèrement supérieure à l'atterrant Urban Legend 2. Certains aspects du script souffrent d'énormes lacunes : on nous explique que l'esprit de Mary Banner assassine la progéniture des quatre garnements qui ont, de près ou de loin, contribué à sa mort trente-cinq ans plus tôt. Or il y a manifestement une mort de trop par rapport à celles attribuées à la vengeance de Mary, mais cela ne semble soulever aucune interrogation, pas plus que ces personnages-clé qui disparaissent de la circulation sans crier gare. Les scènes-choc sont régulières mais fort peu imaginatives, hormis celle où la fille s'arrache la peau du visage d'où surgissent des dizaines de petites araignées créées par ordinateur (on pense à la scène d'automutilation dans Les ruines). Le film ne mérite toutefois pas la piètre réputation qu'on lui prête ici et là. Les jeunes acteurs sont plutôt bons, la photographie est soignée, les dialogues moins grossiers qu'à l'accoutumée. Ni plus ni moins qu'un direct-to-video dans la petite moyenne. Un serpent tout moche qui fait peine à voir...

Anaconda 3 : Offspring de Don E. Fauntleroy avec David Hasselhoff et John Rhys-Davies.

Alors qu'un Anaconda 4 a déjà montré le bout de sa langue, je me suis intéressé à la troisième livraison de ce qui n'était a priori pas destiné à devenir une franchise. Après une vague allusion à la précédente séquelle pour justifier du confinement d'un anaconda gigantesque dans un centre de recherche d'Europe centrale, l'action s'emballe très vite puisque le reptile s'échappe en laissant derrière lui une trainée de cadavres déchiquetés et part se cacher dans la forêt limitrophe, coursé par une escouade de têtes brûlées. Celle-ci est emmenée par le vieux beau David Hasselhoff, désormais voué à une jolie carrière de has-been dans des sous-produits pas très reluisants (mais quoi de plus logique pour celui qui débuta dans Starcrash de Luigi Cozzi ?). La mocheté est de rigueur : l'héroïne, les effets gore et surtout le serpent, que j'érige au panthéon des plus ridicules jamais créés en images en synthèse. Ce qui fait de cet Anaconda 3 un nanar de choix.

The Boston Strangler : The Untold Story de Michael Feifer avec Andrew Divoff et Corin Nemec.

Venu de nulle part, Michael Feifer a trouvé le bon filon pour susciter rapidement la curiosité : ne réaliser que des films sur de vrais tueurs en série. Tournée avec des moyens insuffisants, cette version ne soutient pas deux secondes la comparaison avec le chef-d'œuvre de Richard Fleischer. Faute de pouvoir s'offrir de luxe de la reconstitution historique (l'intrigue se déroule entre 1962 et 1964) et de meurtres graphiques, le film développe donc une hypothèse parfaitement farfelue selon laquelle Albert DeSalvo, reconnu coupable de l'assassinat de treize femmes, ne serait en fait qu'un minable copycat et se serait accusé des meurtres à la suite d'une rencontre en prison avec le véritable «étrangleur de Boston», un dénommé Frank Azarian. Ce dernier, avec l'appui de son avocat, aurait persuadé son compagnon de cellule de le «remplacer» afin de partager le gros pactole promis par la notoriété déjà établie de DeSalvo (ciné, télé, bouquin etc...). C'est paradoxalement cette confrontation entre le soi-disant vrai tueur et son pigeon qui donne un peu de consistance à l'ensemble. Le personnage du détective interprété par Andrew Divoff ne sert absolument à rien, sinon à relever le niveau d'une interprétation boiteuse (le blackos qui joue le chef de la police a l'air d'un rappeur en contrat emploi-solidarité).

Salve de séries B en DVD (3)

2009-08-02T20:23:00.000-07:00

Troisième livraison de séries B vues dernièrement en DVD

Snakes on a train de Peter Mervis (A.K.A. The Mallachi Bros).

Tiens donc, une production The Asylum, depuis le temps que j'entends parler de cette boite de prod', j'étais impatient de découvrir ses méfaits. Pour rappel, The Asylum, co-fondée par David Michael Latt, qui a fait ses armes comme réalisateur de zèderies oubliables (dont une suite sans intérêt du déjà bien nul Scarecrow), s'est spécialisée dans le bis au sens authentique et littéral du terme en reproduisant, ou plutôt en anticipant les futurs gros succès du box-office. On doit à cette compagnie fort opportuniste des titres aussi évocateurs que Transmorphers, 2012 Doomsday ou encore The Da Vinci Treasure. La plupart de ces productions au budget microscopique sont destinées au marché américain ou anglophone, d'où la rareté de ces titres en France. Hormis un titre et un visuel évidemment copiés sur le fort sympathique Snakes on the plane, ce Snakes on a train est assez éloigné du film dont il s'inspire. Une Mexicaine victime d'une vieille malédiction Maya la faisant régurgiter des serpents (?!) embarque clandestinement dans un train de nuit qui doit la conduire à Los Angeles afin d'y rencontrer un chamane susceptible de la guérir. Une fois à bord, les bestioles contenues dans des bocaux (pourquoi ne pas les tuer ?? mystère...) s'échappent et sèment la mort dans les wagons. Reposant sur des kilos d'invraisemblances (la nana vomit des serpents minuscules mais les passagers sont attaqués par de gros pythons et autres boas), souffrant d'une interprétation déplorable assurée par des membres de l'équipe technique, la chose distille pourtant, et ce en partie grâce à l'image très laide (c'est un comble !), une ambiance glauque ponctuée de moments plutôt couillus, comme celui où une fillette est engloutie toute crue par un reptile affamé. Bref, nous tenons là en fin de compte un nanar convenable, jusqu'à.... jusqu'à la séquence finale dont les effets numériques sont parmi les plus abominables jamais vus sur un écran. Possédée par le mauvais sort, l'héroïne se transforme en serpent gigantesque qui avale le train avant de se volatiliser par on ne sait quelle magie. C'est ce que l'on appelle pêcher par gourmandise...

Catacombs de Tomm Coker et David Elliot avec Shannyn Sossamon.

Attention daube ! A peine l'héroïne (la mignonnette Shannyn Sossamon, seule raison valable de visionner cette immonde bêtise) débarque-t-elle à Paris pour y retrouver sa frangine que quelque chose, déjà, cloche : les douaniers français qui l'accueillent à l'aéroport ont un drôle d'accent slave ou assimilé. Une grosse dame en uniforme marmonne même un surprenant «Comprendrez-vous français ?». En deux, trois plans nous aurons vite compris que l'aéroport de Roissy se trouve en fait à Bucarest, où ont été reconstituées les catacombes parisiennes. De Paris, la vraie, il faudra simplement se contenter d'une dizaine de plans d'extérieur tournés à la va-vite et sans autorisation (avec en prime, le regard des passants vers la caméra). Uniquement motivés par l'aura sinistre de nos fameux sous-sols mortuaires, prétexte à une histoire stupide de rave party souterraine compromise par la présence d'un fou meurtrier, les producteurs ne se soucient guère de crédibilité. Peu importent donc les inscriptions sur les parois écrites dans un français approximatif et l'accent ridicule des figurants (parmi lesquels j'ai reconnu Cabral Ibacka, célèbre vedette de la télévision roumaine), comptons plutôt sur l'ignorance crasse d'une audience américaine qui n'y verra que du feu. De toute évidence le film n'est pas destiné à être vu en VO par un spectateur de l'Hexagone. Anecdote amusante : évoquant les véritables catacombes reconstituées en studio, l'actrice Alecia Moore (plus connue comme chanteuse sous le nom de Pink) affirme sur le mini-film du tournage «Un de mes amis les a visitées et m'a montré des photos, c'est très ressemblant». Autant que je m'en souvienne, prendre des photos à l'intérieur des catacombes n'est pas autorisé. Mais bon, la blondasse a vraiment l'air de savoir de quoi elle parle....Rutger, ce cigare est trouche ! (The Hunt for Eagle One)

The Hunt for Eagle One de Brian Clyde avec Mark Dacascos, Theresa Randle et Rutger Hauer.

Un film de guerre dans la jungle philippine, comme au bon vieux temps. J'adore ! C'est une production Corman, ce qui est fort séduisant, en association avec le regretté Cirio H. Santiago, ce qui est encore plus séduisant. Et en plus, il y a Rutger Hauer qui mâchouille un gros cigare ! Un cahier des charges relativement bien respecté, avec surabondance de fusillades, d'explosions, de sauts de trampoline et de refrains patriotiques à la noix. On se croirait revenu aux grandes heures de la Cannon, avec Mark Dacascos en Chuck Norris chargé de liquider un chef terroriste et libérer par la même occasion une femme-sergent faite prisonnière par les rebelles. Bien sûr, l'histoire est adaptée aux circonstances actuelles, l'ennemi est donc «le N°2 d'Al-Qaeda en Asie-Pacifique », un sale brute chevelue nommée Abubakar qui défie le gouvernement philippin dans la province musulmane de Mindanao. Le salaud périra criblé de balles en marmonnant des trucs du genre «les infidèles seront anéantis par la volonté d'Allah !» Qu'on se le dise, Roger Corman est toujours dans la partie, il a même embrayé sur une suite plutôt honorable, The Hunt for Eagle One : Crash Point, avec la même distribution, moins Rutger mais plus Jeff Fahey, où les troufions doivent cette fois retrouver les gredins qui ont dérobé un appareil permettant de contrôler à distance les avions de ligne.

Living Death de Erin Berry avec Kristy Swanson.

Un jeune millionnaire arrogant est empoisonné par son épouse et son avocat qui veulent s'approprier ses biens. Mais le flambeur n'est pas vraiment mort et revient se venger... Un curieux objet que ce Living Death, sorte de téléfilm croisé avec un inédit vidéo. Téléfilm car tout y est uniformément plat et sans saveur, de la réalisation à l'intrigue en passant par l'interprétation. Inédit vidéo car on y voit, de temps à autre, des choses un peu crasses, comme des intestins ôtés d'un ventre, un outil planté dans un œil ou des bras arrachés par un instrument de torture. Rien que l'on n'ait déjà vu autre part, mais de quoi faire passer un agréable moment, en compagnie de l'ex-Buffy Kristy Swanson, qui a pris du poids mais joue toujours comme un pied. Produit par l'équipe canadienne déjà responsable de Dead Mary (cf. plus bas).

Mammoth de Tim Cox avec Vincent Ventresca et Tom Skerritt.

Proprement affligeante, cette histoire de mammouth ramené à la vie par la chute d'un météorite d'origine extraterrestre ! L'animal, conservé en état de cryogénisation dans un musée de Louisiane, s'évade et sème la terreur dans la campagne roumaine... là où la seconde partie du film a été tournée. La seule originalité de ce gloubi-boulga indigeste réside dans la nature de l'ennemi, un mammouth, animal qui n'avait jusque là pas encore été ajouté au tableau de chasse cinématographique. Ce dernier est entièrement crée en images de synthèse. Pour le coup, soyons honnêtes, ce n'est pas trop mal foutu. Le vrai mammouth était couvert de fourrure, celui-là ne l'est pas, mais bon, nous mettrons cette anomalie historico-scientifique sur le compte de la parenté pseudo-extraterrestre de la créature. Il ne faut pas s'attendre à d'incessants assauts sanglants, le film étant produit pour la chaîne Sci-Fi Channel, nous n'avons droits qu'à une décapitation hors-champ, un empalement vu de loin et un piétinement partiellement coupé au montage. Le reste est fait de courses dans les champs de maïs et de blabla exaspérant entre le brave docteur (Vincent Ventresca, aussi expressif qu'un Playmobil) et son paternel (Tom Skerritt, qui est tombé bien bas). Conscients qu'il n'y a pas de quoi aller bien loin, les scénaristes se tournent vers l'humour, les personnages crétins et les jeux de mots graveleux. Ça n'arrange pas les choses, au contraire...

Salve de séries B en DVD (2)

2009-08-02T19:34:00.000-07:00

Rest Stop de John Shiban avec Jaimie Alexander.

Les toilettes publiques sur le bord des routes ont déjà été le théâtre de morts violentes dans une flopée de films d'horreur, généralement le temps d'une scène (en préambule d'un Halloween notamment, je ne me souviens plus duquel) sans que l'action ne s'y déroule entièrement, à la différence du motel, de la station-service ou de la cabane abandonnée. C'est désormais chose faite avec cet excellent petit survival bien saignant focalisé sur le face-à-face entre une jeune Texane et le sadique qui hante les lieux. Parti pour commencer une nouvelle vie à LA, un couple a le malheur de faire une halte sur une aire de repos où sévit un redneck en pickup. Alors que la fille se soulage dans les toilettes répugnantes, son petit ami disparaît, et la voilà seule à la merci du psychopathe. Ce dernier reste tout au long du film une silhouette lointaine, dont le visage n'est dévoilé que par parcelles via des gros plans vicieux (il suce un doigt de l'héroïne avant de l'arracher avec ses dents jaunies). Langue sectionnée, jambes écrasées, cuisse travaillée à la perceuse, les morceaux de boucherie ne manquent pas, parmi moult autres friandises (dont une famille de bigots aliénés qui cache un enfant difforme dans son camping-van). C'est sale, méchant, grossier, mais humble, généreux et parfaitement maîtrisé. A découvrir.

Prey de Darrell James Roodt avec Bridget Moynahan et Peter Weller.

Lorsque se présentent à nous les protagonistes de l'intrigue (une famille recomposée avec papa, belle-maman, fifille et fiston), qui seront aussi les victimes potentielles d'une attaque de lions dans la savane africaine, on devine à l'avance que la tuerie annoncée n'ira pas bien loin, car chacun sait que les morts d'enfants au cinéma sont presque toujours sujettes à scrupules (tout le monde n'a pas l'audace d'un Nick Palumbo qui ose un meurtre d'enfant bien dégueulasse dans Murder-Set-Pieces). Trois victimes, c'est d'ailleurs ce à quoi se réduit l'hécatombe. Pas de quoi crier au scandale toutefois car Prey prend davantage sa source du côté de Cujo ou de Jaws que des Rats de Manhattan. La tension l'emporte sur l'hémoglobine. On appréciera donc le recours presque exclusif (mises à part quelques gerbes de sang numériques exagérément visibles) à de vrais animaux parfaitement dressés lors des assauts des carnassiers contre la Jeep où sont réfugiées les touristes. A la recherche de sa famille, Peter Weller semble pressé de rentrer chez lui avec son petit chèque sous le bras. Également tourné en Afrique du Sud, The Breed, qui montre l'attaque d'une meute de chiens enragés contre un groupe de jeunes gens sur une île déserte, fait également appel à de vrais clébards, une qualité non-négligeable à l'heure où les effets numériques sont légion. Deux bons films de bébêtes voraces.

Against the Dark de Richard Crudo avec Steven Seagal et Keith David.

Revenu à la maison dans l'idée de rehausser la qualité de sa filmographie (les pas trop mauvais Pistol Whipped et Urban Justice allaient dans ce sens), après une enfilade de séries Z épouvantables torchées dans une décharge roumaine, Steven-la-cigale a de nouveau succombé à l'appel de l'Est pour les besoins d'un machin intitulé Against the Dark. Bon, cette fois, Steven avait une bonne raison car il s'agissait d'un film d'horreur, genre dans lequel notre panda bouffi ne s'était encore jamais illustré. Mieux qu'un film d'horreur, un film de zombies cannibales post-atomique. J'étais curieux de voir ça. Mais après ingurgitation, la digestion passe mal, et cela pour une raison bien pénible à énoncer pour le Seagalophile endurci que je suis : la présence de Steven Seagal ! Car si Against the Dark est loin d'être une réussite, on y décèle toutefois les efforts de chacun (cf. le film du tournage présent en bonus sur le DVD) pour rendre la chose regardable. Puis arrive Steven. La démarche lourdaude, l'œil fixe, la voix monocorde, le gugusse n'en a strictement rien à cirer, pourvu qu'on lui file son enveloppe. Pourtant relégué à un rôle mineur, celui que l'on surnommait jadis «le saumon agile» parvient en quelques minutes à ruiner le travail d'une équipe. Tu en as assez fait, Steven, il serait judicieux de te faire un peu oublier... pour un temps...

Buried Alive de Robert Kurtzman avec Tobin Bell.

Une bande d'ados très cons (tiens, en voilà d'autres) s'offrent du bon temps dans une maison où jadis une dame fut enterrée vivante. L'esprit vengeur, elle revient sous la forme d'une face de pizza avariée pour dessouder la jeunesse pécheresse (on ne peut pas lui donner tort)... Un film qui suscite l'interrogation : comment Robert Kurtzman, le K des studios de maquillage KNB, le créateur du Wishmaster, a t-il pu accoucher d'une telle cochonnerie ? C'est ennuyeux, les effets spéciaux sont réduits à peau de chagrin, les acteurs sont calamiteux, même un débutant n'aurait pas fait pire. Vraiment, Robert, tu devrais avoir honte... Ah, mais on me dit que Tobin Bell rôdait dans les parages en attendant de tourner Saw 12 ! Ça méritait un film, c'est sûr...

The Tripper de David Arquette, avec Thomas Jane, Lukas Haas et Paul Reubens.

Non content d'avoir donner à Schwarzy l'envie de suivre ses traces, Ronald Reagan fut aussi l'un de ces Présidents pleins de haine et de rancœur comme l'Amérique les aime. Il n'aimait pas grand chose, le Ronnie, sauf peut-être les films de Chuck Norris. Des Hippies il aurait dit « Ils ressemblent à Tarzan, marchent comme Jane et sentent comme Cheetah ». C'est d'ailleurs sur cette tendre citation que débute The Tripper, première réalisation de David Arquette, acteur médiocre aux allures d'ado attardé, dont on n'attendait pas monts et merveilles, et encore moins un slasher. Pourtant, le film est sacrément balèze. Il y a d'abord cette excellente scène d'ouverture où quelques militants pacifistes s'opposent à des bûcherons qui veulent abattre un arbre centenaire, jusqu'à ce que l'un d'eux finisse sous la lame d'une tronçonneuse brandie par un marmot psychotique. Plusieurs années après, alors que la région accueille une sorte de Woodstock bis ameutant tous les chevelus du coin, un tueur portant un masque de Ronald Reagan trucide les festivaliers armé d'une hache. Complètement tordu, audacieux et sans crédibilité aucune, The Tripper propose l'alliance subtile du gore et des substances illicites...

Salve de séries B en DVD

2009-07-27T21:10:00.000-07:00

Une première fournée de brefs commentaires concernant les séries B ingurgitées ces dernières semaines.

Walking Tall : The Payback / Lone Justice

Mises simultanément en chantier selon une vieille recette commerciale qui a fait ses preuves (deux suites valent mieux qu'une), ces séquelles illégitimes d'un Walking Tall qui était déjà plus ou moins le remake d'un polar des années 70 (cf. l'article Walking Tall : la série TV avec Bo Svenson pour l'historique) sont produites par Andrew Stevens, ancien acteur qui a déjà derrière lui un lourd passif de producteur de séries B. Le rapport avec le produit original se traduit par un détail scénaristique : le bâton, arme favorite du héros, revient ainsi de temps à temps pour rappeler aux cinéphiles avertis qu'on peut être un financier peu scrupuleux et rendre hommage à ses ainés. Avec The Payback, on repart donc de zéro pour voir Nick Prescott, un vétéran des Forces Spéciales, revenir dans le patelin où il a grandi afin de faire toute la lumière sur la mort de son paternel, shérif du comté. Aidé par un agent du FBI en jupon, il s'auto-proclame shérif sans que personne n'y trouve à redire, à l'exception des voyous qui ont buté son aïeul. Ce n'est pas vous enlever toute surprise que de vous dire que Prescott débarrassera la bourgade des malfaiteurs. Lone Justice reprend exactement là où The Payback s'était achevé, Prescott quittant le ranch familial pour s'installer à Dallas chez l'agent du FBI qui, entre-temps, est devenue sa compagne. La nouvelle vie du bouseux démarre plutôt mal, car à peine arrivé en ville il assiste au braquage d'une station-service, avant de se frotter à un vilain gang de Latinos qui poursuivent de leur vindicte la fliquette, témoin du massacre de ses collègues. Seul nom connu aux génériques, Kevin Sorbo fait plutôt bonne figure au premier plan de bastonnades mollement exécutées mais suffisamment nombreuses pour contenter l'amateur peu regardant. A noter une bonne bande-originale country.

Minotaur de Jonathan English avec Tony Todd et Rutger Hauer.

Une relecture du mythe de Thésée et le Minotaure que je me suis risqué à mâter pour la bonne et simple raison que le nom de mon pote Rutger Hauer figurait sur la jaquette. Je devais bien me douter qu'il n'y faisait qu'une apparition éclair, comme il en a pris l'habitude depuis déjà trop longtemps. Il a donc fallu me contenter d'une dizaine de minutes de son auguste présence, affublé d'une barbe orangée et vêtu de peaux de bêtes, dans le rôle du chef d'un village dont huit jeunes gens doivent être sacrifiés à la créature du titre. Son personnage prématurément évaporé, j'ai néanmoins entrepris de regarder le film jusqu'au bout, et bien m'en a pris car le résultat est loin d'être honteux. Point fort du métrage : l'apparence du Minotaure, éloignée de ce que j'imaginais mais néanmoins fort convaincante, association bien dosée de confections manuelles en latex et caoutchouc et de retouches numériques. Thésée est ici remplacé par un berger qui apprend d'un oracle lépreux (Ingrid Pitt couverte de pustules, mon Dieu !) que sa promise, sacrifiée à la bête, est toujours en vie dans le labyrinthe. Passons sur les défauts inhérents au film dit «de couloirs», avec des héros qui tournent en rond dans un décor statique éclairé à la torche, et sur l'interprétation laborieuse pour apprécier les attaques spectaculaires et sanglantes du Minotaure. C'est déjà pas si mal (quoiqu'un peu juste pour un film qui a dû coûter bonbon, si l'on en croît la masse de producteurs associés au projet)...

Outpost de Steve Barker avec Ray Stevenson.

Le bunker militaire a le vent en poupe, car après le bien-nommé Bunker, voici une autre histoire de soldats pris au piège de forces obscures dans un bunker désaffecté. Cette fois, cela se passe de nos jours quelque part en Europe de l'Est, où une escouade de mercenaires gueulards est engagée par un type pas net pour infiltrer un ancien repaire de Nazis dans l'espoir d'y dénicher un truc pas clair. Débutant de manière plutôt rigolote avec ses acteurs british tentant vainement, non sans grand renfort de jurons, d'imiter un accent étranger (celui avec l'accent africain déclenche instantanément l'hilarité), cette production écossaise d'assez bon calibre devient plus angoissante au fur et à mesure que les manifestations surnaturelles abondent. Certaines séquences sont de fait fort réussies, comme celle de l'apparition des assaillants dans les bois entourant le bunker, amplifiée par de savants jeux de lumière et de fumée. La tronche inexpressive d'un mystérieux type au crâne rasé, découvert vivant parmi un amoncellement de cadavres dénudés, provoque aussi son lot de frissons. Le bunker a donc de beaux jours devant lui...

Dead Mary de Robert Wilson avec Dominique Swain.

Dominique Swain n'a pas connu la suite de carrière escomptée après Lolita. Là voilà déjà obligée de cachetonner dans des produits bas de gamme. Ce Dead Mary commence pourtant sous de bons hospices : un groupe de jeunes gens plus supportables que la moyenne se réunit dans une maison de campagne le temps d'un week-end. Un soir ils trompent l'ennui en jouant à «Marie la morte», jeu stupide qui consiste à invoquer l'esprit d'une sorcière en prononçant trois fois son nom devant un miroir (Candyman n'est pas loin). Comme il faut bien que l'histoire décolle, les amis sont tour à tour victimes de morts violentes et irrationnelles, et les survivants se soupçonnent les uns les autres d'être possédés par l'esprit de la défunte. La scénario n'est guère élaboré, aucune explication n'est donnée quant à la tournure des évènements, et ce n'est pas là une astuce pour faire travailler l'intellect du spectateur mais plus simplement un oubli, ou bien un excès de fainéantise, de la part des scénaristes. En un mot, c'est chiant...

The Hunt for the BTK Killer de Stephen T.Kay avec Robert Forster & Gregg Henry.

Lassé d'en référer depuis des années aux mêmes tueurs célèbres, le marché de la vidéo s'est donc légitimement léché les babines lorsqu'en 2005 a surgit l'affaire Dennis Rader, du nom de ce tueur en série qui terrorisait Wichita depuis 1974 sous le nom de BTK (Bind, Torture, Kill). «Enfin du sang neuf !» se sont alors exclamés les producteurs malicieux. Mais avant que deux spécialistes du film ès-tueur en série, Uli Lommel et Michael Feifer, ne dévoilent leur vision sanglante des faits, c'est Stephen Kay, à qui l'on doit un remake vraiment lamentable de La loi du milieu avec un Stallone dans le pâté, qui coiffe tout le monde au poteau avec un produit somme toute bien sage car réalisé pour la télévision. Loin d'être racoleuse, cette fiction choisit une approche documentaire qui la rend fort attrayante, en particulier pour ceux qui, comme moi, n'ont pas préalablement connaissance des détails de l'enquête. Le film se concentre exclusivement sur les mois précédant l'arrestation de BTK, lorsque ce dernier, craignant qu'un écrivain ne lui vole son histoire, décide de sortir de sa tanière après des années d'inactivité. On dit souvent qu'interpréter un être malsain pousse les comédiens à se surpasser. La règle s'applique ici à Gregg Henry qui, derrière la moustache de Rader, assure la meilleure prestation de sa carrière.

Un forum pour les amateurs de VHS

2009-07-17T19:28:00.000-07:00

On connaissait Kult-Vhs, devenu récipient à larmes des déçus et frustrés de la disparition de Vhs-Survivors, voici désormais Videohistory, nouveau forum dédié aux amateurs, chercheurs et collectionneurs de vidéocassettes. Cet espace accueillant est administré par Rémy Delpodio, qui a bossé pendant quelques années dans un excellent vidéo-club indépendant de Marseille et qui met régulièrement en vente des titres de sa collection. Allez y faire un tour... J'en profite également pour faire la promotion d'un sympathique blog dont j'ai découvert l'existence par hasard, Le Cinéphile Déviant, riche en critiques de films d'horizons divers.

Bestialità restera-t-il invisible ?

2009-07-17T19:14:00.000-07:00

Bestialità de Virgilio Mattei (1974) est réputé dans le milieu pour être un sacré morceau de déviance bien craignos. Il y serait notamment question de zoophilie. Hélas il est bien difficile pour le ciné-archéologue de se faire une opinion tant la bestiole semble proprement invisible. D'après les informations récoltées sur le Net, au terme de longues et profondes recherches dans les tréfonds des pages Google, il semblerait que la seule copie disponible sur le marché soit une VHS italienne (De Laurentiis Ricordi, visuel ci-dessus). Autrement dit, ce n'est pas demain la veille que je parviendrai à assouvir mon vieux fantasme. Pourtant l'irruption récente outre-Atlantique d'un nouvel éditeur spécialisé dans l'exploitation et le bis, Mya Communication, m'avait fait entrevoir l'espoir de goûter enfin au fruit défendu. L'éditeur ne possédant étonnamment pas de site Internet, c'est sur un blog qu'est apparue il y a plusieurs mois une longue liste de titres dont Mya venait d'acquérir les droits, ouvrant ainsi la voie à de probables et imminentes sorties DVD. Hélas, encore hélas, Bestialità ne figure pas dans cette liste. L'unique réalisation de Virgilio Mattei reste manifestement séquestrée quelque part pour des questions de droits...

Karl Malden, c'était aussi....

2009-07-17T18:43:00.000-07:00

Un bref article, simplement pour rappeler ce que les différentes biographies résumées de la carrière de Karl «l'homme au gros nez» Malden, décédé la semaine dernière, ont omis de mentionner, à savoir que l'acteur a aussi fait une brève mais remarquée incursion dans le giallo transalpin via le vénéneux Le chat à neuf queues de Dario Argento, où il interprétait avec brio un aveugle témoin (auditif, bien sûr) d'un complot. J'ai revu Karl Malden dernièrement dans Blue, un western mineur du début des années 60 avec Terence Stamp et Ricardo Montalban, dont le principal attrait demeure l'audacieuse photographie du grand Stanley Cortez.

L'Ozploitation, c'était pas vraiment Hollywood...

2009-07-06T19:21:00.000-07:00

Le blog de Jérôme Wybon Forgotten Silver avait évoqué à deux reprises la mise en chantier puis la sortie en DVD d'un documentaire consacré à l'OzPloitation, Not Quite Hollywood, réalisé par Mark Hartley. Le film est en effet sorti en Australie chez l'excellent éditeur Mad Man Films (visuel ci-contre), dans une édition simple et une édition « collector » cartonnée agrémentée de bandes-annonces. Je me suis procuré la première lors d'un séjour à Sydney. Il s'agit d'un documentaire plutôt brillant qui alterne extraits de films et interventions des principaux acteurs qui animèrent pendant presque trois décennies un sous-genre qui bénéficie désormais d'un regain d'intérêt. Parmi les cinéastes emblématiques du genre qui interviennent dans le film figurent George Miller (Mad Max), Tim Burstall (Attack Force Z), Russell Mulcahy (Razorback), Richard Franklin (Patrick, récemment décédé), Brian Trenchard-Smith (Le Drive-In de l'enfer), Simon Wincer (Harlequin), Tony Williams (Montclare, Rendez-vous de l'horreur), Philippe Mora (Hurlement 3 : les Marsupiaux). L'incontournable Tarantino y confie sa passion en tant que fan. On y apprend qu'avant le révolution sexuelle de 1969 la censure en Australie était l'une des plus sévères au monde. On y apprend aussi que sur le tournage de L'homme de Hong-Kong Jimmy Wang Yu traitait ses partenaires féminines avec dédain et se comportait de manière exécrable, de même que Dennis Hopper sur le plateau de Mad Dog Morgan de Philippe Mora. C'est un documentaire vivifiant, foisonnant, qui réunit un nombre impressionnant de personnalités liées de près ou de loin à l'histoire de l'OzPloitation. L'actrice Briony Behets raconte Long Week-End, le comédien Roger Ward s'attarde sur Les Traqués de l'an 2000, Jamie Lee Curtis et Stacy Keach se remémorent avec entrain leur expérience aux Antipodes pour Roadgames, Tarantino se souvient d'une séquence hallucinante dans Fair Game de Mario Andreacchio où Cassandra Delaney est attachée nue à l'avant d'un 4XA et promenée à travers le bush, George Lazenby explique comment, dépité par son éviction du rôle de James Bond, il est revenu dans son Queensland natal pour les besoins d'un improbable film de kung-fu. Bref, c'est riche en anecdotes, jamais ennuyeux, pas avare en extraits de films ni en séquences de tournage. Espérons que Eurocrime, le documentaire que tourne actuellement Mike Malloy sur le polar italien, soit du même acabit.

Australie : Ozploitation movies en DVD

2009-06-13T19:27:00.000-07:00

Principal pourvoyeur en Australie de DVD pas chers et de genres très différents, Umbrella Entertainment (dont le logo représente un parapluie jaune souriant) est à l'origine de plusieurs éditions de films dit «d'Ozploitation» (terme désignant le cinéma de genre en provenance d'Australie, principalement actif dans les années 70/80).

Très irrégulière dans la qualité de ses DVD (voir son édition de Gorge Profonde de Gerard Damiano, réduite de 88 à 61 minutes car amputée de tous les passages pornographiques, une aberration !), la maison a toutefois soigné le produit en ce qui concerne les œuvres qui nous intéressent, même si – et ce n'est guère une surprise - tous les films ne sont proposés qu'en version anglaise non sous-titrée C'est ainsi que la plupart des titres disponibles chez l'éditeur sont regroupés sous la forme de deux coffrets comptant en tout treize long-métrages, en plus de bénéficier d'éditions individuelles. La plupart ont déjà fait l'objet de sorties en VHS et/ou DVD en France. Sur le premier volume on peut donc retrouver les excellents Harlequin de Simon Wincer et Les traqués de l'an 2000 de Brian Trenchard-Smith (sous le titre Turkey Shoot) ainsi que des titres moins réputés tels que Roadgames de Richard Franklin, The Adventures of Barry McKenzie de Bruce Beresford, The Naked Bunyip de John B. Murray et deux films d'horreur de Terry Bourke (Night of fear et Inner of the damned). Sur le second volume figurent l'inégalable Long week-end de Colin Eggleston (actuellement soumis au supplice du remake à Hollywood), l'incontournable Razorback de Russell Mulcahy, The Chain Reaction de Ian Barry, Stone de Sandy Harbutt et deux Richard Franklin : The true story of Eskimo Nell et Fantasm. Umbrella a aussi mis sur le marché d'autres représentants du genre vendus à l'unité : c'est le cas de Patrick, l'œuvre la plus connue de Franklin, Le survivant d'un monde parallèle (The Survivor) de David Hemmings, deux œuvres de jeunesse de Peter Weir réunies sur un même disque (The cars that ate Paris et le très méconnu The plumber) ou encore Thirst de Rod Hardy.

Chez d'autres éditeurs, on peut trouver Fair Game de Mario Andreacchio (Beyond Home) et Dead-End Drive In de Brian Trenchard-Smith (Mad Man Entertainment). Toujours chez Mad Man, The man from Hong-Kong, film d'arts martiaux avec Wang Yu et George Lazenby tourné par le même Trenchard-Smith entre l'ex-comptoir britannique et le Queensland, est aussi labellisé «Oz Classic». En revanche, aucune trace de Montclare, rendez-vous de l'horreur (Next of kin), petite perle lugubre de Tony Williams. Que ceux qui possèdent la rarissime VHS de chez PolyGram Video chérissent leur cassette avec dévotion...

The Medusa Touch : Lino Ventura en VO anglaise

2009-06-13T19:10:00.001-07:00

Voir un film en version originale a cet avantage non négligeable qu'on peut y entendre les voix originales des acteurs. Cela donne parfois des moments inoubliables. Au cours de sa fructueuse carrière, Lino Ventura n'aura eu que rarement l'opportunité de pratiquer la langue de Shakespeare. Dans The Medusa Touch (sortie en France sous le titre La grande menace), qui constitue par ailleurs l'unique incursion de l'acteur dans le domaine fantastique, Lino interprète un inspecteur de police français chargé d'élucider à Londres l'étrange agression d'un écrivain qui prétend détenir le pouvoir de provoquer des désastres. La grande menace a d'abord été distribué en VHS par Fil à film puis dans une collection « Lino Ventura » vendue en kiosque, avant d'apparaître en DVD en version originale dôtée de sous-titres en français. Voilà donc tout l'intérêt de cette solide édition française. Le DVD australien de MRA entertainment (ci-contre) que j'ai désormais entre les mains permet aussi de goûter au bel accent frenchie de notre Lino national. Étonnamment à l'aise bien qu'isolé au milieu de comédiens british, le Lino s'en sort avec les honneurs. Le mérite en revient peut-être à Jack Gold, metteur en scène polyvalent responsable notamment d'un estimable Les évadés de Sobibor avec Rutger Hauer. Profondément impliqué dans le projet comme producteur, Gold trouve un co-financement en France qui lui impose d'engager au moins une vedette française. Son choix se porte immédiatement sur Lino Ventura, dont il admire la prestance et le professionnalisme. Peu coutumier des tournages hors de France, Ventura se laisse pourtant convaincre de tourner en Angleterre et en langue anglaise. En résulte un film que je qualifierai de magistral tant tout, absolument tout, y est brillamment organisé. Mad Movies, voici quelques années, ne s'y était pas trompé en classant La grande menace parmi les cents chef-d'œuvres du cinéma fantastique. Riche en séquences glaçantes et spectaculaires (un avion s'écrase contre un immeuble, la cathédrale de Westminster s'effondre), le film s'appuie sur un face-à-face subtil (car jamais frontal, les deux hommes s'affrontant par flash-backs) entre le flic rationnel et l'écrivain doué de pouvoirs démoniaques, campé par un Richard Burton en bien piteux état et plus menaçant que jamais. Je recommande une excellente critique du film sur DVDclassik.

Bonnes pioches au Spanish Film Festival de Sydney

2009-06-05T23:24:00.000-07:00

Alors que s'est ouvert récemment le Sydney Film Festival où sont projetés quelques films de genre alléchants tels que Dead Snow du Norvégien Tommy Wirkola avec des zombies nazis et le très attendu Bronson de Nicolas Winding Refn, il convient de revenir sur le Spanish Film Festival qui l'a précédé de quelques semaines. De passage dans la capitale économique australienne à ce moment-là (où j'ai d'ailleurs croisé l'acteur Javier Càmara faisant du shopping), j'en ai profité pour aller prendre le pouls d'une production espagnole et hispanophone toujours très intéressante. Certaines oeuvres méritent que l'on s'y attarde. Produit par les trois grands noms actuels du cinéma mexicain (Del Toro, Iñarritu et Alfonso Cuaron), Rudo and Cursi (ci-dessus) n'est pas passé inaperçu. Première réalisation de Carlos Cuaron (frère de), cette comédie sociale sur le destin de deux frangins issus de la campagne qui deviennent stars du football ose un language fleuri et de spectaculaires séquences dans un stade. Du pur cinéma populaire. Dans un registre différent, signalons le sympathique Make it Look Like an Accident (ci-dessous), dans le lequel Carmen Maura s'embarque dans une dangereuse histoire en voulant à tout prix se débarrasser de son gendre. Une comédie gentimment noire. En attendant de voir ces deux films se pointer en France (ou pas)...

Au Japon, L'Antéchrist parle (un peu) français

2009-06-05T22:51:00.000-07:00

Le DVD de L'Antéchrist d'Alberto De Martino sorti par SPO Entertainment au Japon (visuel ci-contre) comporte une version française qui souffre de quelques problèmes d'ajustements. En effet, à plusieurs reprises tout au long du film, le son disparaît alors que les lèvres des acteurs s'articulent encore. Il est peu probable que celà soit dû à une absence de piste française sur ces extraits, mais il faudrait pour s'en assurer comparer cette édition à la VHS autrefois sortie en France chez VIP et Proserpine . A noter que le film, qui reste l'un des meilleurs succédanés italiens de L'Exorciste, est toujours inédit en France en DVD.

A Humble Tribute to David Carradine

2009-06-04T15:55:00.000-07:00

Avant que tout le monde ne reprenne la nouvelle, un mot sur la disparition de David Carradine à l'âge de 72 ans. L'acteur est décédé il y a deux jours à Bangkok dans des circonstances plutôt obscures qui laisseraient a priori penser à un suicide, alors qu'il tournait un film sous la direction du Français Charles de Meaux. J'adorais David Carradine. A l'instar d'autres gueules telles que Rutger Hauer ou Udo Kier, il m'est bien souvent arrivé d'acheter un DVD ou une VHS pour l'unique raison qu'il y avait son nom sur la jaquette. Même si le comédien a connu des moments de gloire qui lui valent aujourd'hui le respect des cinéphiles de tout bord (je pense notamment à L'œuf du serpent, unique film de Bergman aux Etats-Unis), c'était et cela reste toujours un régal de voir apparaître son faciès creusé dans la roche dans tout un éventail de séries B qui, contrairement à ce qu'affirment certains, ont davantage contribué à sa légende et lui ont probablement valu le privilège de figurer au générique de Kill Bill dans un rôle taillé sur mesure. N'ayant pas ma collection à portée de main, je ne peux que faire appel à ma mémoire : aux côtés d'un Lee Van Cleef vieillissant dans Armed Response, l'un des meilleurs Fred Olen Ray qui ne retrouvera jamais pareil casting, en flic compatissant aux secours de jeunes désœuvrés dans Les enfants de la nuit de Norbert Meisel (avec la jolie Nancy Kwan) ou en succédané de Kung-Fu dans Le cercle de feu. Nous n'oublierons pas un excellent face à face avec Chuck Norris dans Œil pour œil ni sa partition de Frankenstein dans la mythique Course à la mort de l'an 2000 de Paul Bartel. Parmi ses récentes apparitions, je citerais le fort sympathique Dead & Breakfast où sa nièce Ever tient la vedette. La carrière de Carradine aura été entièrement dédiée à la série B, on regrette même qu'il ne soit jamais venu faire un tour du côté de l'Italie. Dans les années 80, nul doute que sa trogne burinée eût parfaitement pu se fondre dans un décor post-apocalyptique. Gloire à Tarantino d'avoir à jamais immortalisé David Carradine...

Walking Tall : la série télé avec Bo Svenson

2009-06-03T19:13:00.000-07:00

Tout le monde est d'accord pour dire que Walking Tall (Tolérance Zéro en VF) est un sympathique film d'action avec Dwayne « The Rock » Johnson, qui a d'ailleurs engendré, c'est amusant, deux séquelles destinées au marché de la vidéo, avec l'ex-Hercule de la télé Kevin Sorbo. Ce que beaucoup en revanche ignorent, c'est que l'origine de Walking Tall remonte aux années 70, avec une trilogie narrant comment le Shérif Buford Pusser, plus doué au maniement du bâton que du pistolet, fait respecter la loi dans le Comté de McNeal, Tennessee. Réalisé par le solide vétéran de la série B Phil Karlson, le premier volet, Justice Sauvage (rien à voir avec le Seagal), met en scène Joe Don Baker dans le rôle de Pusser, rôle repris plus tard par le grand Bo Svenson dans les deux suites ainsi que dans la série télévisée lancée au début des années 80. Cela n'a rien d'un scoop mais j'aimerais m'attarder un moment sur cette dernière, que je viens de dévorer quatre heures durant, après avoir mis la main en Australie sur le double-DVD de MGM contenant l'intégralité des sept épisodes. J'ignore si ladite série a été un jour diffusée en France. Droit dans ses bottes et le bâton toujours à portée de main, le Shérif Buford Pusser a l'intégrité qui dérange. Veuf inconsolable, il met régulièrement la vie de ses enfants et de son vieux père (Walter Barnes, rescapé du western rital) en danger en traquant les criminels du Comté, qu'ils soient nantis ou sans le sou. Au cours de ses enquêtes, il se frottera à des dealeurs de drogue, des membres du KKK, des braqueurs de banque et des industriels véreux. Face à un excellent Bo Svenson, on croise une poignée de tronches qui ont fait les beaux jours de la série B d'antan : Charles Napier en fermier raciste, Chuck Connors en patriarche, L.Q Jones en ennemi juré du Shérif, Ralph Bellamy en directeur de mines... Et même un certain Robert Englund, déjà dans la peau d'un sale type. Partie pour durer, la série s'est finalement interrompue après le septième épisode. On soupçonne des problèmes d'audience peut-être liés à la confusion établie avec les œuvres précédentes (mésentente chronologique au sujet de la mort de l'épouse de Pusser, discordances physiques concernant le personnage de John Witter). On ne peut que le déplorer, car une fois l'ultime épisode vu, on en redemande... On trouve quelques informations récentes au sujet de Bo Svenson sur le blog Jeffercink.

Deadly Kitesurf : l'Italie revient au bis

2009-05-31T18:26:00.003-07:00

Quelques timides tentatives émergent en Italie pour tenter de redonner vie au cinéma bis que nous chérissont tant. Deadly Kitesurf est de celles-ci. Réalisé l'an dernier, le film d'Antonio De Feo est sorti en DVD au Japon (visuel ci-dessus), en anglais avec sous-titres en japonais. Rappelant à bien des égards les films de jungle/cannibales des années quatre-vingt, ce Deadly Kitesurf (sobrement rebaptisé The Hell sur le DVD nippon) conte les mésaventures d'un groupe de jeunes Européens partis s'éclater au Kenya et qui pénètrent sur le territoire de trafiquants de drogue qui s'empresseront de ruiner leurs vacances. Ce n'est pas gore, mais c'est assez violent, il y a un viol dans une cage, quelques plans nichons et des fusillades bon marché. Les jeunôts ont tous des tronches d'attardés mentaux, et se comportent parfois comme tels ("N'allez pas là-bas, c'est dangereux" leur répète un mercenaire repenti, mais ils y vont quand même...), ce qui rend le film ridicule par moments. Mais on adhère à l'entreprise, car nous sommes tous de grands nostalgiques...

Quand Milligan filmait les bains de vapeurs gay

2009-04-28T19:16:00.000-07:00

Sur le DVD, édité par Something Weird, de The Body Beneath d'Andy Milligan figure un moyen-métrage expérimental de ce dernier qui nous ferait presque admettre que Milligan fut un jour doué d'un certain talent. Intitulée Vapors, cette rareté d'une demi-heure tournée en noir et blanc au début de la carrière de Milligan (en 1965) se situe dans une « bathhouse » (bains de vapeurs) de New-York. A cette époque, l'homosexualité était le sujet de prédilection du cinéaste, alors même que rares étaient ceux qui abordaient de manière directe ce tabou. Ainsi suit-on pendant une bonne vingtaine de minutes la discussion, mâtinée de désir, entre deux homosexuels dans un bain de vapeurs. Le second, qui pénètre en ce lieu de débauche pour la première fois, se confie au premier. L'exigüité du décor oblige Milligan, qui tient la caméra, à user de toutes les ruses afin de permettre aux acteurs de se mouvoir confortablement et de donner au champs d'action le plus d'amplitude possible. Malgré une qualité sonore sérieusement détériorée, la chose est assez agréable à voir, car elle ne s'éternise pas et évite (parfois de justesse) ce ridicule inhérent aux longs-métrages du réalisateur. Les acteurs, chose rare chez Milligan, ne sont pas mauvais. On peut y voir un témoignage sociologique et y mesurer combien Milligan a gâché un talent certes limité mais effectif en s'aventurant par la suite dans l'horreur et le fantastique. Pour s'en convaincre, il suffit de regarder The Body Beneath, une grotesque histoire de vampirisme avec un révérend diabolique, un bossu débile, des succubes peinturlurées en vert, une scène de cul et une pincée d'hémoglobine.

AroVideo, la boutique interdite aux rednecks

2009-04-20T16:14:00.000-07:00

En Nouvelle-Zélande, trouver des films qui sortent de l'ordinaire ressemble à un parcours du combattant. Les franchises de vidéo-clubs qui pullulent dans les grandes et moyennes villes (United Video, Civic Video, Video Ezy) ne proposent à la vente que le tout-venant de la production hollywoodienne. Le « cinéphage » à la recherche de bonnes affaires fréquente habituellement les enseignes de la chaîne The Warehouse, sorte de gigantesque Foir'Fouille où l'on trouve de tout, et notamment une foule de DVD pas chers. Si l'on prend le temps de fouiner parmi les tonnes de boitiers empilés les uns sur les autres, on parvient parfois à dénicher, entre un Roland Emmerich et un Jim Carrey, quelques objets intéressants. C'est comme cela que j'ai pu extraire du lot deux titres de la collection Midnite Movies édités par MGM, L'île du Dr. Moreau avec Burt Lancaster et The Man with X-Ray Eyes, un fort agréable Corman de la grande époque avec Ray Milland. Maigrelet, mais mieux que rien. En fait, c'est bien simple, il n'existe en Nouvelle-Zélande qu'une seule et unique boutique spécialisée dans l'exploitation et l'art-et-essai. Située sur les hauteurs de la capitale Wellington, sur la bien-nommée Aro Street, AroVideo ne paye pourtant pas de mine. Mais une fois la porte franchie, c'est un peu la caverne d'Ali Baba. Du film d'horreur du temps jadis, du film d'auteur européen, de l'import, de la VHS... Disposant d'un budget serré, je n'ai pas pu m'offrir tout ce que je voulais, je me suis donc contenté de deux perles rares de l'éditeur fou Something Weird (un H.G. Lewis inédit en France, Color Me Blood Red, et un Andy Milligan, The Body Beneath) et de quelques friandises récentes en éditions anglophones, telles que le Hongrois Taxidermia et le très sexuel Battle in Heaven. Ladite boutique dispose également d'un site Internet où l'on peut commander par correspondance.

Andy J. Forest : de Lenzi à la Country Music

2009-04-18T23:49:00.000-07:00

Connaissez-vous Andy J. Forest ? Ce nom, qui sonnerait presque comme le pseudonyme d'un hypothétique Andrea Forestini, a été en effet l'éphémère tête d'affiche d'une poignée de films bis italiens dans les années quatre-vingt. Débutée en 1985 entre les seins laiteux de Malisa Longo dans le Miranda de Tinto Brass, sa carrière naissante croisera par trois fois celle, déclinante, d'Umberto Lenzi, notamment pour un film de guerre riche en stock-shots, Un pont pour l'enfer, que l'éditeur de supermarchés Initial avait un temps commercialisé en VHS sous le titre de Commando Panther sous l'un de ses innombrables labels.* Et puis à l'orée des années quatre-ving-dix, Andy J. Forest disparaît subitement, un peu comme il est apparu, dans l'indifférence générale.

Il y a de cela deux ou trois ans (oui, ce blog ne parle pas toujours d'évènements récents...), le hasard a voulu que, quelques jours seulement après avoir visionné Commando Panther, je découvre qu'un certain Andy J. Forest se produisait sur la scène du Country Roque Festival, un petit mais néanmoins fort sympathique festival de country music situé dans une commune provençale non loin de chez moi, La Roque-d'Anthéron. Après les voyages et le cinéma bis, la country music est en effet ma troisième passion, et j'ai pris l'habitude, du moins si je suis dans les parages, de fréquenter ce festival depuis plusieurs années. Bref, une question me vient donc à l'esprit : s'agit-il du même Andy J. Forest, s'agit-il de celui qui fut le témoin anonyme de l'agonie artistique d'Umberto Lenzi ? Ne trouvant aucun indice satisfaisant sur le Net, je me rends sur place, en prenant soin d'apporter avec moi la VHS de Commando Panther, et assiste avec délectation à la prestation scénique euphorisante, davantage blues que country, du sieur Forest. Après le concert, je m'en vais faire un peu de causette avec l'artiste, qui signe des autographes aux quelques badauds qui achètent ses disques. Lui exhibant la cassette de Commando Panther, il me rétorque dans un premier temps qu'il n'a jamais joué dans ce film, avant de me demander «Is that Umberto Lenzi's Bridge to Hell ?», ce à quoi je réponds par l'affirmative. L'homme, qui est bel et bien NOTRE Andy J. Forest bisseux, se souvient avec amusement de ses années passées en Italie, où il s'est retrouvé embarqué dans le cinéma par pur hasard, alors qu'il menait une vie de bohème à travers l'Europe, sillonnant les routes avec sa guitare et son harmonica. Les conditions salariales, les plaisirs de la vie romaine et d'autres avantages l'incitent à s'installer un temps en Italie pour y alterner concerts et films d'exploitation. Puis le travail se faisant rare, il rentre dans sa Nouvelle-Orléans natale pour y poursuivre avec succès une carrière musicale orientée blues, cajun et country music. Son espace MySpace nous permet d'apprécier quelques uns de ses morceaux. A l'instar d'autres artistes country américains qui ne parviennent pas à s'imposer aux États-Unis faute d'une concurrence trop rude, Andy se produit toujours beaucoup en Europe. Il sera d'ailleurs de nouveau à l'affiche du Country Roque Festival (le 11 juillet 2009). Je conseille à ceux qui seront dans les environs de s'y rendre afin de poursuivre la conversation avec Andy sur Lenzi, Brass, l'Italie, le bis...

* J'ai la cassette chez moi, mais étant pour l'heure en vadrouille , je n'ai pu me souvenir du label exact, ni reproduire la jaquette céans.

Necrologia

2009-04-08T14:18:00.001-07:00

L'Antre de la Bête fait le point sur les personnalités disparues depuis le début de l'année 2009.

La presse a longuement relayé la disparition de Patrick McGoohan, le célèbre Prisonnier du feuilleton télévisé, mais dont le meilleur rôle au cinéma reste sans aucun doute celui du directeur de la prison d'Alcatraz dans L'Evadé d'Alcatraz du vieux Clint. En revanche, pas grand chose à propos du décès de Ricardo Montalban (photo ci-contre), disparu le 14 janvier dernier à l'âge de 88 ans. Ce grand gaillard d'origine mexicaine avait acquis une notoriété internationale dans le rôle de M. Roarke dans la série télévisée L'île fantastique aux côtés du comédien nain français Hervé Villechaize. Quelques interventions dans le cinoche populaire européen à son actif, comme dans Le pirate noir de Mario Costa et Le déserteur, estimable western tourné en ex-Yougoslavie par Burt Kennedy. Disparus également, Pat Hingle, figure patibulaire fréquemment employée par le cinéma et la télévision, qui fut le commissaire Gordon dans les deux Batman de Burton, James Whitmore, acteur dans tout un éventail de séries B dans les années 50, passé par la case "polar italien" (Le témoin à abattre de Castellari) et réapparu ensuite dans le sous-estimé Relic de Peter Hyams. En raison de ses circonstances tragiques et de la parenté de la défunte avec Vanessa Redgrave et Liam Neeson (respectivement mère et époux), la mort de Natasha Richardson dans un accident de ski a été largement médiatisée, à la différence de celle de Ron Silver, qui a succombé à un cancer le 15 mars dernier à l'âge de 62 ans. Avant de devenir un "has been", Silver avait obtenu des rôles importants dans Blue Steel, Angle Mort, Timecop et The Arrival.

Quand Vincent Price était "The Last Man on Earth"...

2009-04-05T22:09:00.000-07:00

La récente adaptation de "I am Legend" de Richard Matheson, avec Will Smith dans le rôle du dernier homme sur Terre (rien que cette idée me rebute..) après qu'un virus a exterminé une partie de l'Humanité et transformé l'autre partie en hordes de vampires, a permis de se rappeler aux bons souvenirs d'une précédente adaptation datant de 1964. Malgré tout un tas de qualités et des circonstances désormais favorables, cettez lointaine version demeure, mine de rien, pas évidente à voir. A ma connaissance, elle reste inédite en France, que ce soit en VHS ou en DVD, et il faut donc se contenter de quelques diffusions sporadiques à la télévision (je me souviens notamment d'un passage dans le cycle Cinéma de Quartier de notre ami Dionnet) pour y goûter.

J'ai réussi, pour ma part, à me procurer une édition australienne bon marché, sous un label nommé Silver Screams qui comprend également La Nuit des morts-vivants de Romero, La Nuit de tous les mystères de Castle et un fort intriguant Mania, qui cache en réalité un chef-d'oeuvre de John Gilling, L'impasse aux violences. Bien que présentant une copie médiocre, cette édition a néanmoins le mérite d'exister.

Co-adaptée par Matheson lui-même mais mal-aimée de l'écrivain qui retirera son nom du générique pour le troquer contre un pseudonyme (Logan Swanson), cette version, intitulée The Last Man on Earth, fut produite par American International Pictures et tournée à l'économie dans les rues de Rome. Vincent Price, comme toujours excellent dans un rôle proche du mimétisme (il est d'ailleurs le seul dont la voix ne soit pas doublée), y évolue au milieu d'acteurs italiens bien connus des amateurs de bis (Emma Danieli, Giacomo Rossi-Stuart, Franca Bettoja, Umberto Raho). Cette proximité étonnante n'est là qu'un des multiples détails qui situent l'oeuvre aux confins du bizarre, parmi lesquels nous pourrions citer la séquence des militaires jetant les cadavres au feu (une allusion possible à l'Holocauste) la vieille Chevy de Price arpentant, tel un corbillard, les rues désertes d'une cité plongée dans la brume, ou encore quelques imperfections techniques qui, avec le temps, ont affirmé le charme du film (un mixage un peu aléatoire qui entrecoupe les dialogues de silences bruts). Les pavés de presse italiens de l'époque attribuaient la réalisation à Ubaldo Ragona, alors que la véritable paternité du film revient en réalité à Sidney Salkow, téléaste dont ce fut-là le seul titre de gloire.

Les Feebles de Peter Jackson : le DVD australien

2009-04-05T18:02:00.000-07:00

Je me souviens qu'un obscur "journaliste" d'une revue spécialisée dont je tairai le nom avait, au cours d'un article à la gloire du DVD, simplement suggéré que l'on jette à la poubelle nos vieilles VHS poussiéreuses. Bien stupide celui qui suivit ce conseil car, à l'heure où le DVD est déjà en passe d'être supplanté par le Blu-Ray, nombreux sont les films qui n'ont jamais été réédités sur un autre support que la VHS. Parmi eux, Les Feebles, spectacle musical de marionnettes destiné aux adultes que beaucoup considèrent, à juste titre, comme l'oeuvre la plus irrévérencieuse de Peter Jackson période Nouvelle-Zélande. On se souvient d'une estimable édition en version française chez Antarès & Traveling (visuel ci-contre) qui fait désormais office de pièce de collection. Car malgré l'envol de la notoriété internationale du sieur Jackson (suite à une adaptation d'aventures fabuleuses dont le nom m'échappe..), Meet the Feebles reste incompréhensiblement inédit chez nous en DVD. Il existe bien une galette espagnole, Los Feebles, mais point d'édition francophone digne de ce nom.

En Nouvelle-Zélande, où je me trouve désormais, on se doute que le film fait l'objet d'une attention particulière. La chaîne de librairie Whitcoulls affiche notamment des portions d'étagères remplies de DVD de Meet the Feebles. Cette édition australienne de chez Stomp Entertainment (voir ci-dessus), sans le moindre supplément ni sous-titres - quand bien même un simple sous-titrage en anglais aiderait le spectateur peu anglophone à saisir la portée caustique de dialogues fleuris - propose néanmoins le film en version intégrale dans une copie d'une qualité irréprochable.

Les débuts de Roger Donaldson en Nouvelle-Zélande

2009-04-04T20:16:00.000-07:00

Australien d'origine mais immigré dès l'âge de vingt ans en Nouvelle-Zélande, Roger Donaldson fait partie, à l'instar de Geoff Murphy, Peter Jackson, Lee Tamahori, Vincent Ward et plus récemment Niki Caro, de ces cinéastes Kiwis qui ont conquis Hollywood. Lorsque l'on connaît la carrière éclectique de Donaldson aux Etats-Unis - une comédie romantique (Cocktail), un film d'horreur (La Mutante), un film-catastrophe (Le Pic de Dante), un film de politique-fiction (13 Jours) - il devient intéressant d'effectuer un petit retour en arrière afin de découvrir ses premiers films aux Antipodes.

L'éditeur australien Magna Pacific a distribué en Océanie deux des trois long-métrages néo-zélandais du cinéaste dans une collection logiquement intitulée The Roger Donaldson Collection : Sleeping Dogs et Smash Palace. Deux films qui, à ma connaissance, n'ont jamais fait l'objet d'une quelconque distribution en France. Deux éditions soignées dans lesquelles Donaldson se plie avec plaisir à l'exercice de l'entretien, conviant le spectateur sur les lieux des tournages.

Après avoir signé en 1971 un court documentaire en hommage au héros national Burt Munro, l'un des champions motocyclistes les plus âgés à avoir battu le record de vitesse sur le circuit de Bonneville Salt Flats dans l'Utah (une véritable obsession chez Donaldson, qui réalisera plus de 35 ans plus tard un film de fiction consacré au même personnage, The World's Fastest Indian avec Anthony Hopkins), Donaldson continue pendant six ans d'alterner court-métrages de fiction et documentaires pour la télévision. En 1977, avec l'aide d'un producteur associé, il réussit à monter le financement d'un projet très ambitieux, adapté d'un roman de l'auteur local Karl Stead : Sleeping Dogs. Ce film de politique-fiction plonge la Nouvelle-Zélande dans un futur pas bien rose où, soumise à un pouvoir dictatorial, elle est en proie aux conflits opposants la guerilla aux milices du régime fasciste. Pour qui connaît la Nouvelle-Zélande, un tel scénario paraît parfaitement inimaginable. Cela dit, le film suscite un grand intérêt. On y voit un très jeune Sam Neill (Australien d'origine lui aussi) dans la peau d'un père de famille apolitique qui, fuyant un mariage désastreux, part vivre seul sur une île. Mais suite à un complot, il se voit contraint de rejoindre la résistance, aux côtés du nouveau compagnon de sa femme... Manquant probablement de moyens, Sleeping Dogs s'attarde peu sur la configuration politique du conflit (quelques images télévisées, une manifestation violemment réprimée dans les rues d'Auckland) pour davantage se focaliser sur la fuite en avant d'un homme non-violent qui ne comprend rien à ce qui lui arrive et qui, pourtant, se retrouve impliqué dans des actions de plus en plus sanglantes. Bien avant son remake du Guet-Âpent de Sam Peckinpah, Donaldson adresse déjà plusieurs clins-d'oeil au cinéma de l'oncle Sam par le biais de gunfights très dynamiques (l'attaque du motel où séjournent des soldats de l'US Army) et en important le grand Warren Oates (curieusement orthographié "Oats" sur la jaquette) dans un rôle court mais mémorable de colonel ricain. Succès critique et public, Sleeping Dogs fut l'un des facteurs essentiels à la création de la New Zealand Film Commission, qui a contribué à financer des oeuvres commerciales telles que l'Âme des guerriers ou Whale Rider (Paï en VF).

Avant de s'envoler pour Hollywood réaliser une nouvelle version du Bounty avec Mel Gibson, Donaldson eût les honneurs du festival de Cannes pour son dernier film entièrement néo-zélandais : Smash Palace. L'histoire assez sobre d'un ancien coureur automobile désormais propriétaire d'une gigantesque casse dans l'arrière-pays, qui pète un plomb le jour où sa femme le quitte pour son meilleur ami et emmène leur petite fille. Le comédien d'origine britannique Bruno Lawrence, aujourd'hui décédé et oublié alors qu'il fut une grande vedette en Nouvelle-Zélande dans les années quatre-vingt (il tenait le premier rôle dans Utu et The Quiet Earth de Geoff Murphy) prête son charisme à cet homme jadis admiré dont l'isolement et l'obsession pour les voitures conduisent progressivement à la frustration et l'éloignement de ses proches. Au-delà du drame humain qui constitue le nerf du film, c'est bien le décor autour qui monopolise l'intérêt du spectateur. D'abord cette casse, située dans la localité d'Ohakune dans l'île du Nord (et qui existe toujours visiblement !), qui a hypnotisé Donaldson au point d'en modifier le scénario pour y tourner le plus de scènes possible. Puis le paysage, évidemment, dense et majestueux. La bande-originale, signée Sharon O'Neill, a connu un certain succès hors de Nouvelle-Zélande.

Geoff Murphy, le Kiwi qui a croqué la Seagal

2009-03-22T13:37:00.003-07:00

Geoff Murphy s'est fait un nom parmi les amateurs de films d'action de bas étage en faisant tourner trois de nos vedettes préférées : Steven Seagal dans Piège à grande vitesse (Under Siege 2 : Dark Territory), suite rythmée du plus connu Piège en haute mer, Christophe Lambert dans un Fortress 2 que je n'ai pas vu mais dont la sinistre réputation éveille ma curiosité, et avant cela, un Rutger Hauer alors fringant dans le mollasson Blind Side (Angle Mort en VF). A Hollywood, Geoff Murphy semblait donc destiné à une sage carrière de tâcheron abonné aux séquelles périmées, jusqu'à ce qu'il retourne dans son pays natal, la Nouvelle-Zélande. Car c'est bien dans la patrie du Kiwi que Murphy a fait ses premières armes. Et lorsque l'on jette un coup d'oeil à sa filmographie néo-zélandaise, on s'aperçoit que rien, ou si peu, ne le prédestinait à aller filmer les coups de tatanes de Steven-la-cigale de l'autre côté du Pacifique.

Installé depuis quelques mois en Nouvelle-Zélande, j'en ai donc légitimement profité pour faire l'acquisition de deux de ses films les plus réputés dans cette lointaine terre de cinéma. Sorti en DVD chez Jigsaw Entertainment dans deux éditions, l'une simple et l'autre "collector" réunissant 2 disques et des tonnes de suppléments, Goodbye Pork Pie est un véritable film culte en Nouvelle-Zélande. Mais à cette époque (1981), personne en France ne semblait décidé à voir venir des antipodes autre chose que Mad Max, et de fait le film n'est jamais parvenu jusqu'à nous. Il faut avouer que la chose est probablement bien trop "Kiwi" pour pouvoir susciter un quelconque intérêt de notre part. A la fois "road" et "buddy" movie, GPP raconte comment, à bord d'une Austin Mini jaune, deux compères traversent la Nouvelle-Zélande de bout en bout, tentant de rejoindre Invercargill (ville de l'extrême sud du pays popularisée par le champion de motocycle Burt Munro, dont Roger Donaldson a tiré un film avec Anthony Hopkins). Poursuivis par la police suite à moult menus larcins, ils gagnent l'affection de la nation pour leurs exploits anarchiques relayés par les médias. Même s'il a beaucoup vieilli près de trente ans après, GPP reste très drôle, parfois même jouissif, et demeure une excellente introduction à la beauté des paysages locaux, dont la configuration a très peu évolué jusqu'à aujourd'hui, ainsi qu'à cette innocente causticité qui caractérise l'humour national. Deux ans après, Geoff Murphy entreprend de réaliser une fresque historique relative aux conflits qui opposèrent colons anglais et Maoris au dix-neuvième siècle. Considéré comme la première superproduction néo-zélandaise, Utu (qui signifie "vengeance" en langue maori) est sans doute le film qui a attiré l'attention d'Hollywood sur le talent de Murphy. Evitant soigneusement de prendre position pour tel ou tel camp, le cinéaste croise deux destins meurtris : un guerrier maori dont la famille a été massacrée par les colons, et un fermier blanc dont l'épouse a été assassinée lors d'une expédition punitive des indigènes. Film violent, parfois excessif (la décapitation du prêtre évangéliste), Utu est porté par la puissance physique de l'acteur Anzac Wallace, terrifiant en guerrier sanguinaire épris de revanche. Pour l'anecdote, un certain Lee Tamahori, qui a depuis parcouru le chemin que l'on sait, est crédité en tant qu'assistant-realisateur. Facilement accessible depuis l'Europe via Amazon.co.uk, l'édition néo-zélandaise est hélas dépourvue de sous-titres, hormis en anglais pour les passages en langue maori.

Joe Caligula sort enfin de l'ombre

2008-10-09T07:42:00.000-07:00

L'excellent site Psychovision.net nous a communiqué l'information que nombre d'entre nous n'espéraient plus : Joe Caligula, l'oeuvre maudite de José Bénazéraf, fera bientôt l'objet d'une édition DVD dans le cadre d'une collection réunissant sept longs-métrages du cinéaste. C'est K-Films qui a eu cette heureuse initiative. Rappelons que Joe Caligula, interdit d'exploitation en 1966 pour cause d'immoralité, n'avait jusqu'alors fait l'objet d'aucune édition à destination des particuliers ni d'aucune diffusion en salles (hormis à la Cinémathèque). Les abonnés de Canal+ avaient toutefois pu apprécié la chose grâce, une fois de plus, au cycle Quartier Interdit de Jean-Pierre Dionnet. Du temps de la VHS, K-Films avait plus d'une fois contenté les amateurs de raretés, notamment par de précieuses éditions en VOSTF des derniers Dreyer (Ordet et Gertrud).

L'Islande insolite de Fridriksson en DVD

2008-10-07T07:33:00.000-07:00

Les films du cinéaste viking Fridrik Thor Fridriksson font l'objet d'un traitement spécial dans son pays, l'Islande. Les éditions DVD locales nous permettent de les (re)découvrir.

Fridrik Thor Fridriksson reste à ce jour le cinéaste islandais le plus emblématique. Le public français a eu l'occasion de découvrir ses quatre longs-métrages des années 90, tous sortis en salles à l'exception de Devil's Island, diffusé il y a peut-être dix ans sur Arte (qui d'autre ?) en version française. Ce film est resté si puissamment gravé dans ma mémoire que, lors de mon séjour en Islande, je n'ai eu de cesse de le rechercher. J'ai alors eu la divine surprise de découvrir qu'un éditeur local, Sena, avait commercialisé en DVD les quatre films en question (Devil's Island donc, mais aussi Children of Nature, Movie Days et Cold Fever), munis de sous-titres en anglais.

Devil's Island est un drame familial situé dans les années 50, du temps où l'Islande, affaiblie comme toute l'Europe par des années de guerre, était encore loin de la prospérité et de la richesse qu'on lui connaît aujourd'hui. Dans une banlieue miséreuse de Reykjavik, une femme du coin épouse un soldat américain en poste sur la base militaire de Keflavik (qui existe toujours) et part s'installer aux Etats-Unis, aussitôt suivie par son fils aîné. Revenu au pays dans les bottes d'un rouleur de mécaniques complètement imprégné de la culture yankee, ce dernier n'arrive pas à se réhabituer à son ancien environnement et créée des tensions au sein de la communauté. Tout en grossissant le trait et en jouant de situations absurdes, Fridriksson parvient à dresser le fascinant tableau tragi-comique d'une famille pauvre dans l'Islande d'après-guerre. Dans le rôle du fils prodigue, on reconnaît Baltasar Kormakur, qui allait bientôt se lancer dans une carrière de réalisateur couronnée de succès critiques (l'excellent 101 Reykjavik, le décevant The Sea) et d'un tournage américain (A Little Trip to Heaven avec Forest Whitaker, inédit chez nous). Réalisé il y a deux ans, son Jar City vient tout juste de sortir dans les salles françaises.

La vraie curiosité de la riche filmographie de Fridriksson, lequel désormais se consacre davantage à la production (via sa société Icelandic Film Corporation), est sans nul doute Cold Fever. Le sujet est lui-même des plus surprenants: apprenant que ses parents sont morts dans une contrée reculée d'Islande, un salary-man japonais entreprend alors de se rendre sur place pour y accomplir un rite traditionnel. Débarquant en plein hiver, il connaît une série de mésaventures avant de parvenir à ses fins. Cold Fever, ou la rencontre improbable et savoureuse d'Hirata, héros lunaire égaré dans un paysage hostile, avec un peuple à l'humour peu conventionnel. L'étrange mission de ce Droopy nippon ne cessant de s'exclamer "it's a very strange country", les lents panoramiques sur d'interminables étendues enneigées, cette vieille Renault DS rose progressant cahin-caha sur les routes désolées du centre de l'Islande et ces personnages tantôt pétillants tantôt lugubres incarnés par des comédiens venus d'horizons divers (Masatoshi Nagase, sorti du Mystery Train de Jarmusch, Lili Taylor en auto-stoppeuse hystérique ou encore le vieux cinéaste Seijun Suzuki, qui apparaît brièvement dans le rôle du grand-père d'Hirata), tout contribue à créer un climat insolite, et par là même une expérience cinématographique indescriptible.

Le meilleur du cinéma colombien

2008-07-30T10:14:00.000-07:00

Le cinéma colombien est fort méconnu dans nos contrées. Pourtant il existe, il vit, il se porte même relativement bien. Hélas la plupart des films produits là-bas sont des comédies concoctées pour le public local, donc impropres à l'exportation.

Le cinéphile toujours en quête de nouveaux horizons sera néanmoins ravi d'apprendre qu'une excellente collection sobrement intitulée "El mejor del cine colombiano" orne les étagères et les bacs des nombreuses boutiques de DVD de Bogota. Tous les films présentés dans cette collection sont inédits chez nous, à deux exceptions prés : La vendedora de rosas (La petite marchande de roses) de Victor Gaviria, terrible descente dans le quotidien des enfants des rues de Medellin présentée à Cannes en 1998, et Cronica de una muerte anunciada, que les Colombiens ont d'ailleurs tendance à s'attribuer un peu vite car, bien qu'adaptée d'un roman du grand auteur national Gabriel Garcia Marquez et tournée à Cartagena (Colombie), il s'agit en fait d'une production italienne signée Francesco Rosi.

Certains films jouissent semble-t-il d'une bonne réputation auprès du public local, c'est le cas notamment de Rodrigo D : No futuro du même Gaviria (1990) et de Gente de la Universal de Felipe Aljure (1991), que j'ai ramené dans mes bagages. Notons enfin que de récents succès du cinéma colombien ont bénéficié d'éditions DVD françaises, tels que Maria pleine de grâce de Joshua Marston (coproduction colombo-américaine) et Rosario d'Eduardo Maillé. Deux films remarquables qu'il convient d'apprécier au préalable avant de se ruer sur le premier vol Paris-Bogota qui passe...

Sommaire de Médusa 23

2008-07-30T09:58:00.000-07:00

Alors que sa sortie prévue pour la fin de l'année est annoncée depuis déjà plusieurs semaines, le numéro 23 du fanzine Médusa dévoile enfin son contenu et sa couverture. Didier Lefèvre a récemment mis en ligne sur le site de la publication le sommaire de l'ultime Médusa ainsi qu'une reproduction de la superbe couverture . Outre les rubriques habituelles que nous sommes tous impatients de retrouver, ce numéro comportera des dossiers consacrés au mouvement "Teensploitation" en Italie, aux aventures de Tarzan avec Johnny Weissmuller, à Tim Sullivan (pas le réalisateur de 2001 Maniacs, mais un auteur de nouvelles fantastiques qui fait aussi l'acteur dans quelques séries B d'horreur), ainsi qu'un entretien avec le compositeur Franco Micalizzi.